Centre en art actuel
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Heures d'ouverture de la galerie Lundi au Jeudi de 9 h à 16 h Vendredi de 9 h à 15 h Samedi et dimanche 13 h à 17 h

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Administration

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Rédaction

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RiAP 2016

Toute l’équipe de la RiAP 2016 tient sincèrement à remercier tous ses artistes, ses partenaires, ses bénévoles et ses stagiaires. Merci au public d’avoir été des nôtres en si grand nombre lors des 6 soirées de performances et lors des 2 conférences CÉLAT. Merci d’avoir rehaussé l’événement par votre présence. MERCI!

Merci à tous nos PARTENAIRES RiAP2016 : Conseil des arts et des lettres du Québec, Canada Council for the Arts | Conseil des Arts du Canada, la Ville de Québec, CÉLAT, 阿川行為群 ArTrend Performance Group, National Culture and Arts Foundation (NCAF), Lemay, LithoChic, Belle Gueule, les revues Espace art actuel, esse et Ciel variable, La Biennale de Montréal, Galerie 3, RAIQ – Regroupement des arts interdisciplinaires du Québec, Regart, centre d’artistes en art actuel, L’Écart et La Boîte à Pain

La Rencontre internationale d’art performance de Québec, dont la direction artistique est assurée par Richard Martel, s’est déroulée du 15 au 25 septembre, le public était invité à découvrir les performances et activités des artistes canadiens, péruviens, taiwanais, allemands, portugais et slovaques sélectionnés pour cette 19ème édition. Cette année, la salle était située au 736 rue Saint-Joseph Est sera l’hôte des performances de la biennale. Les conférences CÉLAT des dimanches 18 et 25 septembre se sont tenues pour leur part au Lieu, centre en art actuel, situé au 345 rue du Pont à Québec.


Commissaires RiAp 2016 | Curators

Les commissaires de cette édition sont Fernando Aguiar (Portugal), Emilio Tarazona (Pérou), Liping Ting (Taïwan), Helge Meyer et Boris Nieslony (Allemagne), József R. Juhász (Slovaquie), Bruce Barber puis la Galerie Sans Nom (Canada). Au total, la sélection des artistes comprend 24 artistes provenant de 6 pays.

The curators of this edition are Fernando Aguiar (Portugal), Emilio Tarazona (Peru), Liping Ting ( Taiwan), Helge Meyer and Boris Nieslony (Germany), József R. Juhász (Slovakia), Bruce Barber then the Galerie Sans Nom (Canada). The selection of the artists includes 24 artists coming from 6 countries.


SOIRÉES DE PERFORMANCES | SEMAINE 1

15 SEPTEMBRE | SEPTEMBER 15TH | CANADA

 

Sophie Bartholomew

15 septembre 2016 – Canada

Sophia Bartholomew est une artiste établie à Frédéricton, au Nouveau-Brunswick, qui travaille avec la vidéo, le langage et d’autres moyens d’expression abordant la temporalité. Depuis l’obtention de son baccalauréat en arts visuels de l’UBC en 2012, elle a présenté son travail dans des centres d’artistes autogérés et des galeries publiques. Elle a aussi participé à des résidences au Canada et à l’étranger. Elle est née près d’un grand lac et a grandi sur le flanc d’une montagne, mais vit désormais dans une vallée boisée, non loin de l’océan. Elle est l’ancienne directrice adjointe de Connexion ARC.

Sophia Bartholomew is an artist based in Fredericton, New Brunswick who works with video, language and other time-based media. Since receiving her BFA in visual art from UBC in 2012, she has presented her work at artist-run centres and public galleries and has participated in residencies in Canada and abroad. Born near a great lake and raised on the side of a mountain, she now lives along a wooded river valley, not too far from the ocean. She is the former associate director of Connexion ARC.

Mathieu Léger

15 septembre 2016 – Canada

Mathieu Léger est originaire des Maritimes, dans l’Est du Canada. En tant que grand adepte des résidences d’artistes, Léger a participé à plus de 50 d’entre elles. Il est titulaire d’un baccalauréat en arts (littérature et beaux-arts) de l’Université de Moncton. Son travail explore la nature sauvage, le temps géologique et les activités processuelles du monde naturel. Ses projets érodent le temps, le lieu et l’espace, et sont présentés sous forme de performances, d’écrits, de photographies et d’installations audio et vidéo. Il travaille présentement à l’élaboration d’un projet de performance d’une durée de cinq ans qui examine le caractère physique de la perception spatiale et les conventions cartographiques. Il partage son temps entre des endroits éloignés et Moncton, au Nouveau-Brunswick.

Mathieu Léger hails from the Maritime region of Eastern Canada. As a serial artist-in-residence, Léger has participated in over 50 artists’ residencies. He has a bachelor of arts (in literature and fine arts, Université de Moncton) and his work reflects on ideas surrounding wilderness, geological time
and the process-related activities of the natural world. His projects scour time, place, and space and are delivered through performance, written works, photography and audio/video installations. He is currently developing a five-year-long performance project that investigates the physicality of spatial awareness and cartographic conventions. He shares his time between far away places and Moncton, N.B., Canada.

Jacob Perry

15 septembre 2016 – Canada

Jacob Perry est un artiste interdisciplinaire présentement établi à Halifax, en NouvelleÉcosse.
Pendant qu’il fréquentait l’Université NSCAD, il a fondé la galerie No Offense*, un espace d’activités artistiques autogéré pouvant servir à des projections de films, des workshops, des expositions, des performances et des radiodiffusions. Il a ensuite cofondé la galerie Fallow, une galerie commerciale pour les étudiants et diplômés, située dans une modeste machine distributrice. Perry utilise comme disciplines artistiques le 3D, la gravure, la performance et le design pour analyser les structures
institutionnelles de pouvoir et la masculinité.

Jacob Perry is an interdisciplinary artist currently based in Halifax, Nova Scotia. While attending NSCAD University he founded No Offense* gallery, an artist-run project space for film screenings, workshops, exhibitions, performances and audio broadcasting. He later co-founded Fallow Gallery, a commercial gallery for students and alumni that is housed in a humble snack vending machine. Perry works in 3D mediums, printmaking, performance and design and examines the subtext behind institutional power structures and masculinities.

Camila Salcedo

15 septembre 2016 – Canada

Camila Salcedo est une artiste établie à Halifax, en Nouvelle-Écosse. Elle est présentement inscrite en troisième année en art interdisciplinaire à l’Université NSCAD. En 2014, elle a obtenu son diplôme du programme des arts Claude Watson de l’école secondaire Earl Haig à Toronto. Elle s’intéresse à l’art multidisciplinaire, que ce soit la performance, la vidéo, l’installation, le textile, le multimédia, l’imprimé ou l’audio. Son art se concentre sur le féminisme, les stéréotypes des genres, l’activisme politique, l’identité sexuelle et l’identité culturelle des Vénézuélo-Canadiens. Son travail a été présenté à la galerie Anna Leonowens (Halifax), à la galerie Parentheses (Halifax), à la galerie Propeller (Toronto) et au White House Studio Project (Toronto).

Camila Salcedo is an artist based out of Halifax, Nova Scotia. She is currently enrolled in her third year in the interdisciplinary arts program at NSCAD University. In 2014, she graduated from the Claude Watson Arts Program at Earl Haig Secondary School in Toronto. She is interested in multidisciplinary art that makes use of mediums such as performance art, video art, installation, textiles, mixed media, printed matter and audio work. Her art focuses on feminism, gender stereotypes, political activism, sexual identity and the Venezuelan-Canadian cultural identity. Salcedo’s work has been exhibited at the Anna Leonowens Gallery (Halifax), Parentheses Gallery (Halifax), Propeller Gallery (Toronto) and the White House Studio Project (Toronto).

16 SEPTEMBRE | SEPTEMBER 16TH | PéroU

Carlitauchu

16 septembre 2016 – Pérou

Carlitauchu (fusion de son nom, Carla Montalvo, et du mot quechua uchu qui signifie « chili ») présente des actions performatives en solo et en collectif depuis 2002. Elle est une artiste autodidacte ayant participé à plusieurs workshops en sculpture, en dance et en théâtre. De plus, elle a travaillé à la conception de décors, de maquillages artistiques et de vêtements pour des événements culturels. La spontanéité et le destin l’ont amenée à faire de la performance. Ses projets personnels sont orientés vers la découverte de la sexualité de la femme et les médias de masse en tant que système normatif qui conçoit le corps féminin comme hypersexualisé, prédéfinissant ainsi cette relation imposée en fonction de certains idéaux de beauté. En tant que performeure, elle a pris part à divers festivals et rencontres de performance, à Lima comme dans d’autres villes péruviennes.

Carlitauchu (a blend of her own name, Carla Montalvo and the Quechua word “uchu”, which means chili) has been staging solo and collective performative actions since 2002. She is a self-taught artist, but has also followed workshops in sculpture, dance and theater and has worked designing props, artistic makeup and clothing for cultural events. Spontaneity and destiny were the factors that drew her to performance. Her personal projects are directed towards exploring female sexuality and mass media as a normative system that conceives the female body as hypersexualized, thus predefining this imposed relationship according to certain beauty ideals. As a performer, she has taken part in diverse performance meetings and festivals in Lima as well as in other Peruvian cities.

Anaze Izquierdo

16 septembre 2016 – Pérou

Anaze Izquierdo (Ana Carolina Izquierdo) est une artiste péruvienne intergenre en arts visuels, une performeure activiste et une organisatrice qui est née et a grandi à Lima. Elle est la fondatrice d’Encuentro: Espacio abierto a libre performance, un festival international de performance à Lima, et de Dinámicas de Intercambio, qui présente des débats ouverts et des conférences sur l’art performance et la sémantique. Izquierdo est aussi membre de Rastro, une plateforme sur l’artivisme en milieu public qui porte sur la mémoire politique au Pérou. Elle termine présentement sa formation en théâtre politique avec le Théâtre des oppressés, afin de concevoir et de créer un programme parascolaire dans les écoles publiques de Brooklyn.

Anaze Izquierdo (Ana Carolina Izquierdo) is a peruvian genderqueer visual and performance artist-activist and organizer who was born and raised in Lima, Peru. Anaze is the founder of Encuentro: Espacio abierto a libre performance, an international performance art festival in Lima, Peru, as well as the founder of Dinámicas de Intercambio, which presents open debates and lectures about performance art and semantics. Anaze is also one of the members of RASTRO, a platform for activism in public spaces that defends political memory in Peru. Anaze completed an artist-activist fellowship at the Hemispheric Institute for Performance and Politics at NYU, during which she investigated technique, somatics, improvisation and composition. She is now completing a fellowship in political theatre at Theatre of the Oppressed, where she is designing and developing an after-school program for public schools in Brooklyn.

Frido Martin

16 septembre 2016 – Pérou

Frido Martin (Marco Antonio Martín Young Rabines) est né en 1963 à Lima. Après avoir terminé ses études secondaires en 1980 au collège San Andrés, il a étudié la linguistique et la littérature à l’Université pontificale catholique du Pérou (PUCP). Pendant cette période, il a collaboré avec deux collectifs péruviens importants : Kloaka, un groupe de poètes qui a fait évolué la poésie au Pérou, et Grupo Chaclacayo, un collectif d’artistes en arts visuels qui a perturbé la scène des arts péruvienne durant cette décennie. Martín a terminé ses études en linguistique à l’Université nationale principale de San Marcos en 1996. En 2003, il a publié son premier recueil de poèmes, Naufragios. Il a commencé quelques années plus tard à s’intéresser à la poésie phonétique et à la poésie de performance, qui sont aujourd’hui les modes d’expression principaux de son art.

Frido Martin (Marco Antonio Martín Young Rabines) was born in Lima in 1963. After finishing high school at the San Andres School in 1980, he began studying linguistics and literature at Pontificia Universidad Católica del Peru (PUCP). During that time, he collaborated with two important Peruvian collectives: Kloaka, a group of poets that brought the tradition of poetry to a turning point in Peru; and Grupo Chaclacayo, a collective of visual artists that disrupted the Peruvian arts scene during that same decade. Frido Martin finished studying linguistics at the National University of San Marcos, where he graduated in 1996. In 2003, he published Naufragios, his first book of poems. A few years later, he gradually approached phonetic poetry and performance poetry, which are currently his main lines of artistic work.

Janine Soenens

16 septembre 2016 – Pérou

Janine Soenens a étudié les arts à l’Université catholique pontificale du Pérou. En 2001, elle a immigré en France et a fréquenté l’École nationale supérieure des beaux-arts de Paris, où elle a obtenu son diplôme en 2006. Pendant ses études à l’ENSBA, elle a passé deux ans à Berlin pour étudier les arts et le cinéma expérimental dans le cadre d’un échange étudiant à l’Université des arts de Berlin. Parmi ses expositions solos, on retrouve L’invariable enthousiasme de Sisyphe (2008), Va et viens (2009), Le thème du traitre et du héros (2012) et Nouveau système solaire (2014). Elle a aussi participé à des spectacles collectifs et à des résidences d’artistes un peu partout : Berlin, Biarritz, Bogota, Buenos Aires, Cusco, Détroit, Lima, Mumbai, Paris, São Paulo et San Francisco. En 2011, elle a publié Para-Iso (ATA/CCELima). Elle enseigne actuellement des ateliers de niveau supérieur à l’École des arts visuels Corriente Alterna à Lima et est représentée par la galerie Document-Art à Buenos Aires.

Janine Soenens studied art at the Pontificia Universidad Católica Del Perú. In 2001, she immigrated to France and studied at the École Nationale Supérieure des Beaux-Arts in Paris, where she graduated in 2006. While at ENSBA, she spent two years in Berlin studying art and experimental cinema as an exchange student at the Universität der Künste. Her solo exhibitions include Sisyphus’ Unswerving Enthusiasm (2008), Come and Go (2009), Theme of the Traitor and the Hero (2012) and New Solar System (2014). She has also participated in group shows and artists’ residencies in Berlin, Biarritz, Bogota, Buenos Aires, Cusco, Detroit, Lima, Mumbai, Paris, São Paulo and San Francisco. In 2011, she published Para-Iso (ATA/ CCELima). She currently teaches the senior studio course at the Corriente Alterna Visual Arts School (Lima) and is represented by the Document-Art Gallery (Buenos Aires).


17 SEPTEMBRE | SEPTEMBER 17TH | TaÏwan

Yves Chun-ta Chiu

17 septembre 2016 – Taïwan

Yves Chun-ta Chiu a suivi le programme de doctorat en création artistique et théorie de l’art à l’Université nationale des arts de Tainan, à Taïwan. Il s’intéresse à l’art contemporain, au commissariat et à l’esthétique. Il a été récompensé par la Fondation culturelle S-An en 2009. En 2008, il a délaissé la tour d’ivoire de la philosophie pour se tourner vers l’art contemporain, auquel il contribue activement depuis. Bien qu’il ait été très inspiré par les philosophes, les théoriciens de l’art et les maîtres occidentaux, il croit que les idées présentées par les érudits et chercheurs de sa propre culture sont également importantes. Il est commissaire, chercheur, critique d’art et rédacteur en chef de l’Act Art Quarterly Review.

Yves Chun-ta Chiu followed the doctoral program in art creation and theory at the Tainan National University of the Arts in Taiwan. He is interested in contemporary art, curatorial studies and aesthetics and was awarded at the S-An Cultural Foundation in 2009. In 2008, he escaped from the ivory tower of philosophy and entered the field of contemporary art, in which he plays an active role. Although he was very inspired by Western philosophers, art theorists and the works of the Western masters, he believes that the ideas proposed by his own culture’s scholars and researchers are also important. He is now active in curatorial practice, research, as well as art criticism and is the editor of Act Art Quarterly Review.

Liping Ting

17 septembre 2016 – Taïwan

Liping Ting a vécu et travaillé à Paris pendant de nombreuses années après y avoir terminé ses études supérieures. Elle est ensuite retournée à Taïwan en 2012. Ses oeuvres combinent diverses sources culturelles telles que l’art, la littérature, le théâtre, la musique et la philosophie. Elle puise ses influences du travail de John Cage, de Samuel Beckett et du poète-philosophe chinois Zhuang-Zi. Ting est une artiste interdisciplinaire qui produit des oeuvres vidéo, des installations et des performances. Entre 1998 et 2004 à Paris, elle a coorganisé Topophonie, un ensemble d’expérimentations sonores et de performances présentées dans des lieux publics, In-Formo, une revue interdisciplinaire en direct qui a duré de 2002 à 2006, et Ça vaut jamais le réel, le festival d’In-Ouïr au  Instants Chavirés, de 2004 à 2008.

Liping Ting lived and worked in Paris, France for many years after completing her graduate studies there. She then returned to Taiwan in 2012. Her artwork blends diverse cultural sources including art, literature, theatre, music and philosophy and is influenced by the work of John Cage and Samuel Beckett, as well as the Chinese poet and philosopher Zhuang-Zi. Ting is an interdisciplinary artist who produces works of video, performance and installation art. From 1998 to 2004, while in Paris, she co-organized Topophonie, a group of sound experimentations and performances in public spaces; In-Formo, a live interdisciplinary review which lasted from 2002 to 2006 and the interdisciplinary festival In-Ouïr: Ça vaut jamais le reel from 2004 to 2008 at Instants Chavirés.

Wuma Watan

17 septembre 2016 – Taïwan

Né en 1958, Wuma Watan est membre de la tribu des Atayal à Jianshi, dans le comté taïwanais de Hsinchu. Il est présentement le directeur artistique du studio Waterfield. Depuis la présentation de sa performance No Photography en 2004, Wuma a été très actif, présentant son travail dans de nombreux festivals et événements partout dans le monde : le NIPAF (2004, 2006, 2014), le TIPAF (2005, 2014), le Festival international d’art performance d’Irlande et d’Irlande du Nord (2005), le 4e Festival des arts vivants DaDao à Beijing (2006), le Festival d’art conceptuel à Shanghai (2006), le Festival asiatique d’art corporel à Shanghai (2008), le 2e festival international d’art performance ArTrend à Taipei, Taïtung et Kaohsiung (2009), le Festival d’art de Totatoga à Busan (2010), le 6e Festival international d’art performance des Philippines (2011) et le Festival des arts de Da Wang Culture Highland à Shenzhen (2011), pour n’en nommer que quelques-uns.

Wuma Watan was born in 1958 and is a member of the Atayal tribe from Jianshih Township in Hsinchu County, Taiwan. He is currently the artistic director of Waterfield Studio. Since presenting the performance art piece No Photography in 2004, Wuma has been intensely active, showing his work in multiple festivals and events around the world, such as NIPAF (2004, 2006, 2014), Taiwan International Performance Art Festival (2005, 2014), Ireland and Northern Ireland International Performance Art Festival (2005), the 4th DaDao Live Art Festival in Beijing (2006), Conceptual Art Solo (Shanghai, 2006), Asian Body Art Festival (Shanghai, 2008), the 2nd ArTrend International Performance Art Festival (Taipei, Taitung and Kaohsiung, 2009), Totatoga Art Festival (Busan, 2010), the 6th Philippine International Performance Art Festival (2011), and the Da Wang Culture Highland arts festival (Shenzhen, 2011), to name a few.

Tzu-Chi Yeh

17 septembre 2016 – Taïwan

Tzu-Chi Yeh est performeure, organisatrice et écrivaine. Elle est née et a grandi à Taipei, mais habite aujourd’hui à Tainan, Taïwan. Elle a obtenu une majeure en littérature occidentale et était rédactrice en chef, chargée de cours d’anglais à plein temps au collège ainsi que traductrice et rédactrice pigiste avant de se tourner vers l’art performance en 2002. Elle a participé à nombre d’événements et de festivals internationaux de performance à Taïwan, au Japon, en Corée du Sud, aux Philippines, en Chine, au Myanmar, en Thaïlande, en Indonésie, en Pologne, en Slovaquie, en Hongrie, en Finlande, en Israël et aux États-Unis. Elle a fondé l’ArTrend Performance Group (artrendperfogrup.blogspot.com) en 2003 et a organisé différents événements locaux et internationaux. Parmi ces derniers, notons le Taiwan-Asia Performance Art Meeting (2004), On the Way: ArTrend International Performance Art Meeting (2009) et Mind & Sea: ArTrend International Performance Art Festival (2014).

Tzu-Chi Yeh is a performance artist, organizer and writer. Born and raised in Taipei, Yeh Tzu-Chi now lives in Tainan, Taiwan. She majored in Western literature and was an editor, a full-time college English lecturer as well as a freelance translator and writer before turning to performance art in 2002. She has participated in numerous international performance art events and festivals in Taiwan, Japan, South Korea, Philippines, China, Myanmar, Thailand, Indonesia, Poland, Slovakia, Hungary, Finland, Israel, and the United States. She founded the ArTrend Performance Group in 2003 and has organized different local and international events. Among them, three of the largest were: the 2004 Taiwan-Asia Performance Art Meeting, On the Way: 2009 ArTrend International Performance Art Meeting, and Mind & Sea: ArTrend International Performance Art Festival.

CONFÉRENCES CÉLAT

18 SEPTEMBRE | Canada | Pérou  | Taïwan

Animée par Constanza Camelo Suarez

LIEU, CENTRE EN ART ACTUEL | 13 h | Gratuit

SOIRÉES DE PERFORMANCES | SEMAINE 2

22 SEPTEMBRE | SEPTEMBER 22ND | Portugal

António Azenha

22 septembre 2016 – Portugal

Né en Angola en 1964, António Azenha est bachelier en technologie des arts de l’École universitaire des arts de Coimbra (EUAC). Il enseigne présentement à l’école secondaire Infanta Maria (Coimbra), est maître en esthétique des communications à l’EUAC et est directeur de l’association ARCA/EUAC. Azenha a été le directeur artistique de l’événement Fimagem à Figueira da Foz en 1995 et a organisé différents événements tels que la Route of Art (2005, 2006, 2007) et le festival international d’art performance Line Up Action (2010, 2011, 2012, 2013). Il a aussi travaillé comme
décorateur de théâtre pour le projet Gil Vicente in Schools organisé par la CoimbraCapital of Culture en 2003.

António Azenha was born in Angola in 1964 and has a bachelor’s degree in art technologies from the University of Coimbra art school (EUAC). He is currently teaching at Infanta Maria high school (Coimbra), is the master of communication aesthetics at the University of Coimbra art school (EUAC), as wellas president of the ARCA-EUAC association. Azenha was the artistic director of the
Fimagem event held in Figueira da Foz in 1995 and has curated events such as Rotades Artes (2005, 2006, 2007) and Line Up Action, an international performance artfestival (2010, 2011, 2012, 2013). He also worked as set designer for the Gil Vicente inSchools theater project organized by Coimbra Capital of Culture in 2003.

Marta Bernardes

22 septembre 2016 – Portugal

Marta Bernardes est née en 1983 à Porto. Elle détient une majeure en arts (peinture et sculpture) de la Faculté des beaux-arts de l’Université de Porto, où elle a aussi enseigné de 2010 à 2012. Elle a approfondi ses études en arts visuels et multimédias à l’ENSBA de Paris et a achevé en 2008 une maîtrise en psychanalyse et philosophie de la culture à la Faculté de philosophie de l’Université complutense de Madrid. Elletravaille présentement à une thèse de doctorat en philosophie avancée à la même institution. Elle a fait partie du conseil d’administration pour le secteur pédagogique du Musée d’art abstrait espagnol à Cuenca, en Espagne, en plus d’être membre du comité de coordination de la Fondation Juan March à Madrid. Elle a présenté son travail publiquement en collaboration ou en solo à de nombreuses reprises depuis 2005 en tant que musicienne, performeure et artiste.

Marta Bernardes was born in 1983 in Porto. She majored in art (painting and sculpture) at the University of Porto’s Faculty of Fine Arts, where she also taught art between 2010 and 2012. She furthered her studies in visual arts and multimedia at the ESNBA in Paris, France and finished her master’s degree in 2008 in psychoanalysis and the philosophy of culture at the Complutense University of Madrid’s Faculty of Philosophy. She is currently working on a doctoral thesis in advanced philosophy at the same institution. She was part of the board of the Museo de Arte Abstracto Español’s educational section in Cuenca, Spain, as well as member of the Juan March Foundation’s coordination committee in Madrid. She has repeatedly presented her work publicly since 2005, as a musician, performer and artist, both collaboratively, with the community and as a solo artist.

Alexandre A. R. Costa

22 septembre 2016 – Portugal

Alexandre A. R. Costa est né en 1973 à Braga, mais a toujours vécu à Porto, au Portugal. Il est diplômé en beaux-arts avec une majeure en sculpture de l’Université de Porto et a aussi terminé une maîtrise en arts à Londres. Il complète présentement un doctorat en théorie et pratique de l’art contemporain en Espagne, avec une bourse d’études de la FCT (fondation portugaise pour la science et la technologie). Depuis 2002, il a été professeur en enseignement supérieur (niveaux universitaire et polytechnique), ce qui lui a valu le titre de « spécialiste » des beaux-arts et de la gestion des arts en 2015.Depuis la fin des années quatre-vingt-dix, il s’exprime par la vidéo, la photographie, le dessin, la performance, l’installation et la sculpture. Il a présenté son travail au Portugal, en France, en Espagne, aux États-Unis, en Allemagne et dans d’autres pays. Il a aussi été
commissaire de nombreuses expositions.

Alexandre A. R. Costa was born in 1973 in Braga, but has been living in Porto, Portugal ever since. He is a University of Porto fines arts graduate with a major in sculpture and has also completed a master’s in arts in London. He is currently working on a PhD in art studies and contemporary art practice in Spain, with a scholarship from the FCT (a Portuguese foundation for science and technology). Since 2002, he has been a professor within the system of higher education (at the polytechnic and university levels), which gained him the title of “specialist” in fine arts and arts management in 2015. He has been working in video, photography, drawing, performance, installation and sculpture since the late 90s. He has exhibited his work in Portugal, France, Spain, the U.S.A. and Germany, as well as other countries. He has also been the curator of several exhibitions.

Andrea Inocêncio

22 septembre 2016 – Portugal

Andrea Inocêncio est née en 1977 à Coimbra, au Portugal. Elle détient une maîtrise en scénographie et en architecture du TAI (École supérieure des arts du spectacle de Madrid, 2001) et un diplôme en peinture de l’EUAC (École universitaire des arts de Coimbra, 2000). Elle a été professeure adjointe en arts visuels à l’ESEC (Institut polytechnique de Coimbra, de 2010 à 2012). Inocêncio a aussi exposé et performéindividuellement et en groupe depuis 1996, et sa pratique artistique s’étend de la photographie à la conception de costumes, en passant par la performance et
l’installation. Elle élabore des projets de collaboration artistique avec des artistes portugais et internationaux aux disciplines très variées. Elle est également l’une des fondatrices de Malparidas.

Andrea Inocêncio was born in Coimbra, Portugal in 1977 . She has a master’s degree in set and architecture production design from the Escuela Superior de Artes del Espectáculo TAI (Madrid, 2001) and a degree in painting from the EUAC (Coimbra, 2000). She has also been an assistant visual arts professor at ESEC- Polytechnic Institute of Coimbra (2010 – 2012). Andrea has been exhibiting and performing individually and with groups since 1996, and her artistic practice extends to photography, performance, installation and theater set and costume design. She develops collaborative art projects with both Portuguese and international artists whose practices span different disciplines, and is one of the founders of the Malparidas performance collective.

23 SEPTEMBRE | SEPTEMBER 23RD  | Allemagne

Christiane Obermayr

23 septembre 2016 – Allemagne

Christiane Obermayr vit et travaille à Cologne, en Allemagne. Après avoir terminé ses études en danse et en massothérapie, elle a étudié les beaux-arts en se concentrant sur l’art performance et le cinéma au Collège des beaux-arts de Brunswick. En 2002, elle a fondé le groupe de performance ernstSepia, grâce auquel elle a collaboréde façon multidisciplinaire avec de nombreux artistes jusqu’en 2009. Depuis 2010, elle a travaillé avec différents regroupements et comme artiste solo. Son travail découle de ses observations sur les objets du quotidien qu’elle présente dans un contexte différent. Ses actions gravitent autour du toucher et de la connexion aux autres, cherchant l’essence de la solidarité humaine, de la nostalgie quotidienne et de l’ambivalence.

Christiane Obermayr works and lives in Cologne. After finishing studies in both dance and massage therapy, she studied fine arts, focusing mainly on performance art and film at the College of Fine Arts in Braunschweig. In 2002, she founded the performance group Ernst Sepia, which led her to do interdisciplinary work with various artists until 2009. Since 2010, she has worked in different collectives and as a solo artist. Her work arises from everyday observations and objects that she presents in different contexts, and her actions gravitate around touch and connection to others, in a search for the essence of human togetherness, common everyday longing and ambivalence.

Felix Roadkill

23 septembre 2016 – Allemagne

Felix Roadkill est un artiste interdisciplinaire et un étudiant universitaire de Berlin qui est né en 1989 et a grandi en Allemagne de l’Est. Depuis ses études avec l’artiste de performance Helge Meyer, son approche artistique et ses thèmes de recherche reposent sur la qualité performative de la douleur. Il ressent la nécessité impérieuse de transformer les affaires courantes d’actes de violence, de mépris et de meurtres sans pitié en représentations artistiques afin de défier l’ignorance collective et de surmonter le traumatisme commun. Roadkill désire communiquer des idées douloureuses à son public par des situations douloureuses. Il a montré ses performances dans divers festivals de théâtre et de performance ainsi qu’au cours d’événements en galerie en Europe et en Afrique du Nord. À la RiAP, il présentera son travail pour la première fois outremer.

Felix Roadkill was born in 1989 and raised in East Germany. He is an interdisciplinary artist and university student based in Berlin. Since studying with performance artist Helge Meyer, his artistic practice and research interests have focused on the performative quality of pain. He sees an imperative necessity in transforming current cases of brutal violence, contempt and ruthless murder into artistic imagery in order to challenge collective ignorance and overcome shared trauma. Roadkill wishes to communicate painful ideas with his audience by choosing painful situations. He has performed at theatre and performance art festivals and gallery events in Europe and Northern Africa. At RiAP, he will be showing his work overseas for the first time.

Evamaria Schaller

23 septembre 2016 – Allemagne

Née en 1980 à Graz, en Autriche, Evamaria Schaller vit et travaille à Cologne. Elle a étudié en cinéma à Salzbourg et à Prague (2006), et a obtenu en 2011 un diplôme universitaire d’études supérieures en art performance et cinéma expérimental à l’Académie des arts et médias de Cologne. Son travail oscille entre la performance, le cinéma et l’installation. Il a été présenté, entre autres, en Autriche, en Allemagne, en Suisse, aux Pays-Bas, en Belgique, en Birmanie, en Thaïlande, aux Philippines, au Royaume-Uni et en Chine. Schaller s’intéresse aux interactions et aux conditions spécifiques à un site. Elle traite de l’environnement social et des espaces liminaux qu’elle explore avec son corps au moyen d’actions claires et simples.

Evamaria Schaller was born in 1980 in Graz and currently lives and works in Cologne. She studied film in Salzburg and Prague (2006) and graduated in 2011 from the Academy of Media Arts Cologne as a postgraduate student in performance art and experimental film. Her work oscillates between performance art, film and installation and has been shown in Austria, Germany, Switzerland, the Netherlands, Belgium, Burma, Thailand, the Philippines, the United Kingdom and China, among others. Schaller is interested in the interaction with site-specific conditions. She deals with social environments and liminal spaces and examines them with her body through clear and simple choices of actions.

Stephan US

23 septembre 2016 – Allemagne

Stephan US, né en 1966, vit en Allemagne et travaille comme artiste, commissaire et conférencier à l’Université de Kassel. Depuis 1994, il a réalisé plus de 290 performances partout dans le monde et a reçu de nombreux prix et bourses d’études tels que la résidence d’artistes de la Rhénanie du Nord-Westphalie (Finlande et Istanbul). Depuis 2001, US travaille intensément sur le paradoxe du néant et ses domaines connexes privilégiant la performance, l’installation, l’intervention et les projets collaboratifs. En 2006, il a ouvert les Archives du rien, qui comptent aujourd’hui plus de 2900 objets liés à ce thème et qui continuent à se remplir de vide. En 2016, US cherche le néant et le vide quotidiennement avec 366 autotests, performances et interventions, tentant de faire de ce néant, de cet entredeux, de cette expérience indicible, une expérience connue et corporelle – succès et échec compris.

Stephan US was born in 1966. He currently lives and works as an artist and curator in Germany and is also a lecturer at the University of Kassel. Since 1994, he has presented over 290 performances internationally and has received numerous prizes and scholarships. North Rhine-Westphalia granted him scholarships for artist-in-residency programmes in both Finland and Istanbul. Since 2011, US has worked intensively on the paradox of nothingness and other related fields through performance art, installation, intervention and collaborative projects. In 2006, he created the Archive of Nothing, which is now filled with over 2900 different objects related to the theme, and which continues to grow and be filled with nothingness. US is currently researching into nothingness and the void through 366
daily self-tests, performances and interventions, trying to create this nothingness, this in-between, this unspeakable experience, and both his successes and failures are included.

24 SEPTEMBRE | SEPTEMBER 24TH | SLOVAQuie

József R. Juhász

24 septembre 2016 – Slovaquie

József R. Juhász, né en 1963 en Slovaquie, est un artiste de la performance, un poète et un organisateur. Directeur du festival d’art performance Transart Communication depuis 1988, il en a organisé 24 éditions. De 1987 à 2007, il a dirigé le Studio erté (compagnie organisatrice internationale d’art multimédia), une organisation qu’il a cofondée avec Nové Zámky dans le but de soutenir la performance et l’art multimédia. En 2000, il a cofondé K2IC, centre Kassák pour la créativité en intermédia. En tant qu’artiste, il a réalisé des centaines de performances à l’échelle internationale, a tenu plusieurs ateliers d’art performance partout dans le monde et a publié six livres de poésie expérimentale.

József R. Juhász was born in Slovakia in 1963 and is a performance artist, poet and organizer. Juhász has been the director of the Transart Communication performance art festival since 1988 and has since organized 24 editions of the festival. From 1987 to 2007, he was the leader of Studio erté, an organization that he co-founded with Nové Zámky with the aim of supporting performance and multimedia art and that organizes international multimedia art events. In 2000, he co-founded the Kassák Centre for Intermedia Creativity (K2IC). As an artist, he has presented hundreds of performances internationally, held several performance art workshops worldwide and published six books of experimental poetry.

Martin Piaček

24 septembre 2016 – Slovaquie

Martin Piaček vit à Rajka (Hongrie) et travaille à Bratislava (Slovaquie). Il est artiste visuel, sculpteur, commissaire, organisateur, professeur à l’Académie des beaux-arts de Bratislava et membre fondateur de la galerie Hit (galeriahit.com). Il est aussi à la tête de Public Pedestal (verejnypodstavec.com), une association civile pour les arts visuels contemporains dans les espaces publics, et est lui-même impliqué dans la politique locale et les initiatives citoyennes, dont le projet Culburb (culburb.eu).

Martin Piaček lives in Rajka (Hungary) and works in Bratislava (Slovakia). He is a visual artist, sculptor, curator, organizer and teacher at the Academy of Fine Arts in Bratislava and is a founding member of Hit Gallery (galeriahit.com). He is also head of Public Pedestal (verejnypodstavec.com), a civil association that is active in the presentation of contemporary visual art in public spaces, and is active himself in local politics and citizen’s initiatives (for example, culburb.eu).

Martin Piaček

24 septembre 2016 – Slovaquie

Gabriela Zigova, née en 1989, a obtenu en 2015 un diplôme de l’Open Studio de l’Atelier d’Ilona Németh à l’Académie des beaux-arts et du design de Bratislava, en Slovaquie. Pendant ses études, elle a décroché deux bourses, une à la Faculté des arts de l’Université des technologies Brno (République tchèque) et l’autre à l’Académie des beaux-arts de Vienne (Autriche). Elle travaille présentement comme adjointe de programmes et coordonnatrice d’événements dans un cinéma à but non lucratif géré par des bénévoles à Londres (Royaume-Uni). Elle a participé à des expositions à Bratislava, à Prague et à Londres. Depuis 2013, elle a organisé plusieurs projets de commissariat. Son principal mode d’expression combine la photographie, la performance et l’installation interactive
conçue en fonction du lieu utilisé.

Gabriela Zigova, born in 1989, graduated in 2015 from the Open Studio of Ilona Nemeth at the Academy of Fine Arts and Design in Bratislava (Slovakia). During her studies, she won two scholarships: to the Faculty of Arts at Brno University of Technology (Czech Republic) and to the Academy of Fine Arts in Vienna (Austria). She currently works in a non-profit volunteer-run cinema in
London (U.K.) as a programme assistant and events coordinator. She has participated in exhibitions in Bratislava, Prague and London. Since 2013, she has organized several curatorial projects. Her means of expression is mainly a combination of photography, performance and site-specific and interactive installation, and for the most part, the content includes the manipulation and confusion of the viewer’s senses.

Zuzana Žabková

24 septembre 2016 – Slovaquie

Née en Slovaquie, Zuzana Žabková est une artiste, danseuse et chorégraphe établie en Allemagne et travaillant en performance, en vidéo et en installation. Elle est boursière 2016 du programme danceWeb à l’ImPulsTanz de Vienne sous le mentorat de Tino Sehgal, lauréate 2016 de la résidence d’artistes de la Triangle Arts Association à New York et boursière 2015 de la Fondation ERSTE à l’Académie d’été des beaux-arts de Salzbourg, en Autriche. Elle a aussi participé aux résidences d’artistes de la Meetfactory à Prague, en République tchèque (2014), de la Regular Line Santa Cruz, en Californie (2013), de l’Art Quarter Budapest, en Hongrie (2012), et du Halle 14 à Leipzig, en Allemagne. Elle a gagné un Essl Art Award pour la Slovaquie (2013) dans la catégorie Invitations spéciales VIG et a été nominée pour le prix Oskăr Čepan du YVAA (2013). Elle détient une maîtrise en intermédia et multimédia de l’Académie des beaux-arts et du design de Bratislava (2012) et un baccalauréat en chorégraphie de l’Académie des arts du spectacle de Bratislava (2013). Elle termine présentement une maîtrise en chorégraphie et performance à l’Institut d’études théâtrales appliquées à Giessen, en Allemagne, sous le mentorat de la philosophe Bojana Kunst. uzanazabkova.blogspot.com

Zuzana Žabková was born in Slovakia and is based in Germany. She is an artist, dancer and choreographer who works in the fields of performance, video and installation. She was a recipient of the 2016 danceWEB scholarship from ImPulsTanz in Vienna, which had her training under the mentorship of Tino Sehgal. Also in 2016, she will be an artist in residence at the Triangle Arts Association in New York. In 2015, she was a recipient of the Salzburg Academy scholarship and of an ERSTE Stiftung fellowship in Austria, as well as an artist in residence at the MeetFactory in Prague, Czech Republic. She was an artist in residence in 2014 at Regular Line Santa Cruz in California and in 2013 at Art Quarter Budapest in Hungary. In 2012, she was an artist in residence at Halle 14 in Leipzig, Germany. She was the 2013 winner of the Vienna Insurance Group’s Essl Art Award for Slovakia and was shortlisted for the Young Visual Artists Awards program’s 2013 Oskar Cepan Award. She has an M.A. from the Academy of Fine Arts and Design in Bratislava, Slovakia (2012) and a B.A. from the Academy of Performing Arts in Bratislava (2013). She is currently following an M.A. programme in choreography and performance at the Institute for Applied Theatre Studies in Giessen, Germany, studying under the mentorship of philosopher Bojana Kunst.

Conférences

Le Lieu, centre en art actuel, en collaboration avec le CÉLAT (Centre inter-universitaire d’études sur les arts, les lettres et les traditions), aura le plaisir de présenter deux conférences qui visent à offrir un complément théorique aux actions artistiques proposées par la 19e édition de la RiAP.

Quelle est la situation de la performance, et plus largement, de l’art dans chacun des pays invités à la RiAP? Comment s’organisent les artistes? De quelle façon les contextes politiques interfèrent avec les initiatives artistiques? Ce seront autant de sujets abordés lors de ces conférences, animées par Constanza Camelo Suarez et Michaël La Chance.

Les conférences CÉLAT auront lieu les dimanches 18 et 25 septembre à 13 h au Lieu, centre en art actuel et sont gratuites et ouvertes à tous.

CONFÉRENCES CÉLAT

Lectures

Le Lieu, centre en art actuel, in collaboration with the CELAT (an interuniversity center for the study of the arts, litterature and traditions) are pleased to present two lectures that will serve as a theoretical counterpart to the artistic actions showcased by the 19th edition of the RiAP.

What is the situation of performance art, and art at large, in each country represented in the RiAP? How do the artists organize themselves? How does the political context interfere with the artistic initiatives ? Many topics will be discussed during those lectures, animated by Constanza Camelo Suarez and Michaël La Chance.

The lectures will take place each Sunday of the RiAP at Le Lieu, centre en art actuel and are free and open for all.

PARTENAIRES

L’équipe de la RiAP remercie chaleureusement les artistes et organismes participants, les
bénévoles, les codiffuseurs, partenaires et commanditaires ainsi que les organismes qui
ont soutenu les artistes dans leur pays de résidence.

The RiAP 2016 team thanks warmly the artists and art organization, the volunteers, the codiffusers, the partners and the sponsors as well as the organization which supported the artists in their country of residence.

La Rencontre internationale d’art performance remercie ses partenaires : le Conseil des arts et des lettres du Québec, le Conseil des arts du Canada, la Ville de Québec, le Centre interuniversitaire d’études sur les lettres, les arts et les traditions (CÉLAT), ArTrend Performance Group, National Culture and Arts Foundation (NCAF), LithoChic, Belle Gueule, les revues Espace, art actuel, ESSE et Ciel Variable, la Biennale de Montréal, la Galerie 3, le RAIQ, Regart, centre d’artistes en art actuel, L’Écart et la Boîte à pain.

PARTENAIRES / PARTNERS

CRÉDITS D’ORGANISATIONS

Direction artistique / Artistic direction : Richard Martel
Coordination : Frédérique Hamelin
Communications et médias sociaux / Communications and social media : Patrick Dubé
Graphisme / Graphic design : Chantal Gaudreault
Administration : Geneviève Roy
Édition / Editor : Geneviève Fortin
Publicité / Advertising : Jean-Michel René
Régie / Stage management : Henri Louis Chalem
Relations de presse / Press relations : Communications Sira-ba (Marie-Ève Charlebois)
Photographie / Photography : Manoushka Larouche
Correction : Gina Bluteau
Traduction / Translation : Jane Ehrhardt, Geneviève Hamelin
Vidéo / Video : Jean-François Dugas
Stagiaires / Trainee: Evelyne Bouchard, Diego Pena-Abrego, Mai Nguyen
Collaboration à la sélection / Collaborators in the selection process
Allemagne / Germany : Helge Meyer, Boris Nieslony
Canada : Bruce Barber, Galerie Sans Nom
Pérou / Peru : Emilio Tarazona
Portugal : Fernando Aguiar
Slovaquie / Slovakia : József R. Juhász
Taïwan / Taiwan : Liping Ting

CODIFFUSEURS RIAP 2016

La « RiAP en circulation » est une stratégie audacieuse et avantageuse à la fois pour le
festival, pour les artistes invités et pour les organismes partenaires. Tandis que la RiAP
bénéficie d’une diffusion à l’échelle québécoise, les artistes ont l’opportunité de saisir,
d’expérimenter et de tester l’identité et le terrain québécois tout en maximisant leur
rayonnement. Ce volet se veut également une stratégie dynamique pour les codiffuseurs
de l’événement d’élargir et de varier leur programmation régulière, tout en permettant
à des artistes locaux de présenter leur travail dans des événements mixtes favorisant
l’échange et la rencontre des idées. La RiAP, que ce soit à Québec ou en régions, a toujours
sut se présenter comme une occasion de créer des liens et de laquelle bon nombre
de collaborations et de partenariats ont vu le jour.

Pour cette nouvelle édition, la RiAP 2016 fera également circuler les artistes invités. Huit centres d’artistes et organismes culturels de Rouyn-Noranda à Chicoutimi, en passant par Trois-Rivières et Montréal, ont acceptés de nous accompagner dans l’aventure et recevront les artistes de la RiAP entre le 14 et 28 septembre. Ces organismes sont : Atelier Silex (Trois-Rivières), L’Écart (Rouyn-Noranda), Atoll (Victoriaville), Langage Plus (Alma), Le Lobe (Chicoutimi), Sporobole (Sherbrooke), Centre Clark et VIVA ! Art Action (Montréal).

L’Écart (Rouyn-Noranda) 14 septembre – Pérou et Taïwan

Langage Plus (Alma) 20 septembre – Portugal et Slovaquie

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RiAP 2014

Présentation RiAP 2014 / RiAP 2014 Presentation

Prendre le pouls de l’art vivant,
10 jours durant.

La Rencontre internationale d’art performance de Québec confirme l’importance grandissante des pratiques d’art action avec sa 18e édition, qui marque également sa 30e année d’activité. Du 11 au 14 septembre et du 18 au 21 septembre, la RiAP 2014 invite 26 artistes de Cuba, de Norvège, des Philippines, de Pologne ainsi que de quatre villes canadiennes (Calgary, Regina, Victoria et Winnipeg) à performer au cœur du quartier Saint-Roch.

Au programme : deux semaines d’activités artistiques originales, étonnantes et sans compromis ! Les jeudis, vendredis et samedis auront lieu six soirées de performance, chacune ouvrant une fenêtre sur des performeurs venus d’une région précise du monde. Les dimanches, conférences et discussions ouvertes favoriseront l’échange et la réflexion collaborative. Critiques, théoriciens de l’art et organisateurs témoigneront des écarts, des décalages ou des rapprochements entre les diverses pratiques performatives. Les enjeux et défis auxquels sont confrontés les artistes des pays étrangers seront ainsi mieux cernés.

Pour cette nouvelle édition, la RiAP fera également circuler les artistes invités. Une dizaine de centres d’artistes et d’organismes culturels, de Carleton-sur-Mer à Regina, en passant par Rouyn-Noranda, ont accepté de nous accompagner dans l’aventure et recevront, dans leurs murs, les artistes de la RiAP.

Richard Martel
Directeur Artistique

Taking the pulse of living art
during ten days.

The Rencontre international d’art performance de Québec confirms the growing importance of performance art practices with its 18th edition, which also marks the organization’s 30th year of activity. From September 11th to 14th and from September 18th to 21st, RiAP 2014 will be inviting 26 artists from Cuba, Norway, the Philippines and Poland, as well as from four different Canadian cities (Calgary, Regina, Victoria and Winnipeg) to perform in the heart of Quebec City’s Saint Roch neighbourhood.

Two weeks of original, surprising and uncompromising artistic activities are in store! Six evenings of performance will be held on the festival’s Thursday, Friday and Saturday nights. Each of these evenings will give audiences the chance to peer into the worlds of performers from a different part of the world. On the Sundays, conferences and open discussions will be held, allowing for exchanges and collaborative contemplation. Critics, art theorists and organizers will discuss the differences and parallels between various performative practices. The issues and challenges faced by artists in foreign countries will also be looked at.

For this edition, the RiAP will also be sending the invited artists on tour. Artist centers and cultural organizations from Carleton to Rouyn-Noranda and Regina will be accompanying us in this adventure by receiving artists from the RiAP in their centers.

Richard Martel
Artistic Director

Semaine 1 / Week 1

JOHN G. BOEHME

11 septembre 2014 – Canada

John G. Boehme détient une maîtrise en arts visuels de l’Université de Victoria et un baccalauréat en beaux-arts de l’Université Emily Carr. Il est professeur à temps plein au Département des arts visuels du Collège Camosun et professeur adjoint à l’Université de Victoria. Au début, sa pratique artistique incluait la peinture, la sculpture, la performance, la vidéo, les technologies numériques, l’installation et la photographie. Aujourd’hui, Boehme décrit ses œuvres récentes de « transdisciplinaires ». Il n’est pas rare qu’elles utilisent simultanément la performance, la vidéo, le son et les objets. Il a présenté ses œuvres dans des festivals en Amérique, en Australie, en Europe et en Chine.

John G. Boehme received his MFA from the University of Victoria and his BFA from the Emily Carr University. He is a continuing full-time faculty in the Visual Arts Department at Camosun College and an adjunct faculty at the University of Victoria. John G. Boehme’s early art practice included painting, sculpture, performance, video and digital technology, installation and photography. Boehme describes his recent work as “trans-disciplinary”, often employing performance, video, audio and objects in a number of pieces simultaneously, Boehme has exhibited, screened and performed pieces in performance art festivals across Canada, Australia, the Americas, the United Kingdom, Europe and China.

Site web

ROBIN POITRAS

11 septembre 2014 – Canada

Robin Poitras est une danseuse, chorégraphe et performeuse indépendante qui vit et travaille à Regina. Cofondatrice de New Dance Horizons (Regina) en 1986, elle lance en 2008 sa propre compagnie axée sur les projets, qu’elle nomme Rouge-Gorge. Poitras a gagné en 2006 le Prix des femmes de mérite dans le domaine des arts et le Prix pour l’ensemble de ses réalisations dans le domaine des affaires et des arts de Regina. Ses œuvres en solo ont été présentées à l’échelle nationale et internationale. Ses préoccupations en lien avec le corps, la psyché et l’action ainsi que son exploration des mondes physiques et archétypaux ont donné naissance à son approche multidisciplinaire. Elle explique : « Je m’intéresse aux relations et aux résonnances entre les mondes de l’art, de la science et de la nature ainsi qu’à l’exploration des manières mythiques, mystérieuses, furtives et parfois évidentes que prennent ces mondes pour se nourrir mutuellement. »

Robin Poitras is an independent dancer, choreographer and performance artist who lives and works in Regina. She cofounded New Dance Horizons (Regina) in 1986 and launched her own project-based company called Rouge-Gorge in 2008. Poitras won the 2006 Women of Distinction Award for the Arts and the 2006 Regina Lifetime Achievement Award for Business and the Arts. Her solo works have been presented both nationally and internationally. Her preoccupation with the body, the psyche and action, as well as her exploration of physical and archetypal worlds has resulted in an embodied multidisciplinary approach. She says: “I am curious about relationships and resonance among the worlds of art, science and nature and in exploring how these worlds feed back and forth in mythical, mysterious, elusive and sometimes obvious ways”.

JUDITH PRICE

11 septembre 2014 – Canada

Née à Winnipeg, Judith Price a étudié à l’Université de la Colombie-Britannique (baccalauréat en arts visuels, 1988). Elle vit et travaille aujourd’hui à Victoria. Le Conseil des arts de la Colombie-Britannique, le Conseil des arts du Canada et la Ville de Victoria ont financé ses œuvres, présentées à l’échelle nationale et internationale. John G. Boehme et Price sont à l’origine du collectif Open Action, un réseau épars aux mailles espacées s’inspirant du collectif Bbeyond (Belfast) qui organise des performances mensuelles à Victoria depuis 2010. Son corpus d’œuvres comprend des pièces performatives, des vidéos, des installations vidéo, des installations in situ et des courts métrages. Elle fait converger les univers parallèles des arts visuels et de la danse moderne dans le but d’explorer le langage non verbal du corps et des gestes en tant qu’outil de communication et d’intervention.

Born in Winnipeg, Judith Price attended the University of British Columbia (BFA, 1988) and now lives and works in Victoria. The British Columbia Arts Council, the Canada Council for the Arts and the City of Victoria have funded her works, which have been shown nationally and internationally. John G. Boehme and Price initiated Open Action, a loose-knit collective inspired by Bbeyond (Belfast) that have been doing monthly performances in Victoria since 2010. Her body of work includes performance pieces, performative videos, video installations, site-specific installations and short films. She merges parallel backgrounds in visual arts and modern dance to explore non-verbal physical and gestural language as tools of communication and intervention.

GARY VARRO

11 septembre 2014 – Canada

Gary Varro est un commissaire, artiste visuel et designer vivant à Regina, Saskatchewan. Il a fondé et continue d’organiser le festival des arts médiatiques Queer City Cinema et le festival de performance queer Performatorium. Varro est également commissaire indépendant. Il a mis sur pied la programmation en arts médiatiques du Collectif des artistes autochtones à Prince Albert (Saskatchewan) et celle de MIX NYC 2013, le festival de film expérimental queer de New York. Son travail évoque les relations entre les espaces sociaux et architecturaux qu’il occupe et auxquels il fait référence. Il a récemment présenté des performances à la Galerie d’art Dunlop à Regina, à LIVE, la biennale internationale d’art performance de Vancouver, à la Résidence d’artistes intergénérationelle LGBT de Toronto et au Banff Centre.

Gary Varro is a curator, visual artist and designer based in Regina, Saskatchewan, where he established and now curates the Queer City Cinema Media Arts Festival and the Performatorium Festival of Queer Performance. Varro is also a free-lance curator and has done media arts programming for The Indigenous Peoples Artist Collective in Prince Albert (Saskatchewan). He also curated a media arts program in 2013 for MIX NYC – the New York Queer Experimental Film Festival. His work suggests relationships with the architectural and social spaces that it occupies and references. He recently presented performances at the Dunlop Art Gallery in Regina, the LIVE International Performance Art Biennale in Vancouver, the inaugural Intergenerational LGBT Artist Residency in Toronto and at the Banff Centre.

JUSTYNA GOROWSKA

12 septembre 2014 – Pologne

Née en Pologne en 1988, Justyna Górowska détient un diplôme de l’Académie des beaux-arts de Cracovie en intermédia. Elle vit et travaille dans la petite ville de Skawa et maîtrise de nombreuses techniques, dont la photographie, l’installation, la sculpture et la performance in situ. À propos de son travail, elle explique : « Ce qui m’importe le plus, c’est le concept. Je m’aligne sur la tendance contemporaine posthumaniste. Je m’intéresse à l’idée que l’homme n’occupe plus la place centrale dans l’univers. Qui n’a pas peur de perdre son autonomie et de se retrouver immergé dans la réalité, telle l’eau qui se fond dans l’eau ? J’aime explorer les frontières entre l’être et le non-être, j’aime parcourir l’espace indéfinissable de la participation continuelle dans la plénitude liquide. »

Born in Poland in 1988, Justyna Gorowska graduated from the Academy of Fine Arts, Department of Intermedia in Krakow. She lives and works in the small town of Skawa and specializes in a number of techniques, including photography, installation, sculpture and site- specific performance art. About her work, she has said: “What is very important to me is the concept. I am closely in line with the contemporary trend of posthumanism. I’m interested in the idea of man no longer occupying the central place in the universe. Who is not afraid of losing their autonomy and of being fully immersed in reality, as water in water? I like to explore the boundaries between being and non-being, and the hard-to-define space of permanently participating in liquid fullness”.

Site web

La RiAP 2014 remercie tous ses partenaires, commanditaires, bénévoles, collaborateurs, codiffuseurs, commissaires, et bien entendu les artistes, pour cette 18e édition mémorable !

Surveillez la publication et le DVD RiAP 2014, à paraître en septembre 2015.

MARTA OSTAJEWSKA

12 septembre 2014 – Pologne

Née en 1980 en Pologne, Marta Ostajewska est chercheuse au doctorat à l’Académie des beaux-arts de Cracovie. Elle est diplômée de l’École des arts (KASK) de Ghent. Elle a récemment présenté une performance au festival de théâtre Mayday Mayday et au Musée d’art contemporain (S.M.A.K.) de Ghent. Elle crée des performances, des installations et des vidéos d’art (Galerie Croxhapox et Institut Crombeen, Ghent ; Galerie Manhattan et gare ferroviaire Lodz Kaliska, Lodz ; Hôtel humain, Copenhague). Elle est fascinée par l’ontologie des objets et la découverte des relations entre ceux-ci, l’espace et le corps. Elle concentre ses activités autour des interventions in situ, des interventions urbaines et des performances dans des lieux vides et abandonnés.

Born in 1980 in Poland, Marta Ostajewska, PhD researcher at the Academy of Fine Arts in Krakow, graduated from the School of Arts (KASK) in Ghent. She has performed during the MAYDAY MAYDAY theater festival and in the Museum of Contemporary Art (S.M.A.K.) in Ghent. She creates performances, installations and video art (Croxhapox Gallery and Crombeen Institution in Ghent, The Manhattan Gallery and Lodz Kaliska Railway Station in Lodz, Human Hotel in Copenhagen). She is fascinated by object-ontology and in the discovery of relationships between space, the body and objects. She focuses strongly on site-specific works, urban interventions and performances in empty, abandoned spaces.

Site web

ALEKSANDRA SKA

12 septembre 2014 – Pologne

Aleksandra Ska a obtenu son diplôme de l’Académie des beaux-arts Strzemi ski à Lodz en mode et textile. Elle vit à Pozna  et travaille à l’Académie d’art de Szczecin, au Département des nouveaux médias. Auteure d’installations, d’objets et de vidéos, son art s’intéresse au subconscient et à la sexualité. Ses créations sont souvent porteuses d’élégance, de splendeur et de sensualité, bien qu’elle y introduise des éléments qui évoquent l’anxiété et l’appréhension. Les œuvres de Ska ont été présentées nationalement lors de plusieurs événements dans des établissements tels que la Galerie d’art nationale à Varsovie (2006) et le Musée national de Pozna (2008). Récipiendaire du Grand Prix du Festival Przeciag en 2007, elle a également reçu le prix Młoda Sztuka du Głos Wielkopolski dans le domaine des arts visuels en 2011. En outre, elle a été récipiendaire d’une bourse du ministère de la Culture et du Patrimoine national en 2000, en 2007 et en 2011.

Aleksandra Ska graduated from the Strzemiski Academy of Art in Łódz, Faculty of Textile and Fashion, lives in Pozna and works at the Szczecin Academy of Art, at The Departement of New Media. Author of installations, objects and videos, her art is related to the subconscious and sexuality. Her creative activity is often associated to elegance, splendor and sensuality, although she introduces disturbing elements that evoke anxiety or apprehension. Ska’s art works were presented nationwide in several events in institutions such as the National Gallery of Art in Warszawa (2006) or the National Museum in Pozna (2008). She was rewarded with the Grand Prix at the Przeciag Festival in 2007, has been the Młoda Sztuka award winner of Głos Wielkopolski in the field of visual arts in 2011 and was also the Ministry of Culture and National Heritage scholarship holder in 2000, 2007 and 2011.

EWA SWIDZINSKA

12 septembre 2014 – Pologne

Née en 1958 à Milanówek, Pologne, Ewa Swidzinska est diplômée de l’École secondaire d’État des beaux-arts à Varsovie et de l’Institut d’éducation artistique à Czstochowa. Elle vit et travaille actuellement à Varsovie. Son travail en performance, en vidéo, en photographie et en art action comporte des dimensions autant sociales qu’artistiques. Depuis le début des années quatre-vingt-dix, elle a participé à de nombreux festivals et événements en Pologne et à l’étranger (Interactions à Piotrków Trybunalski, Festival européen d’art performance à Lublin, Festival international d’art performance à Giswil…). Elle a également pris part à diverses actions dans l’espace public et à des projets qui se concentrent sur l’art féminin. Elle a participé à l’émission de télévision L’alphabet de la performance polonaise diffusée sur le poste polonais TVP Kultura.

Born in Milanówek (Poland) in 1958, Ewa Swidzinska graduated from the State High School of Fine Arts in Varsovie and the Institute of Artistic Education in Czstochowa. She currently lives and works in Varsovie. Her work with performance, video, photography and action has both social and artistic dimensions. Since the early 1990s, she has participated in numerous festivals and events in Poland and abroad (Interactions in Piotrków Trybunalski, European Performance Art Festival in Lublin, International Performance Art Festival in Giswil, etc.). She has also participated in various actions in public spaces and in projects that focus on women’s art. She took part in the Alphabet of Polish Performance TV programme that was broadcast on Polish TVP Kultura.

MIDEO M. CRUZ

13 septembre 2014 – Philippines

Né en 1973, Mideo M. Cruz est un artiste multidisciplinaire et un organisateur d’événements artistiques habitant en Asie du Sud-Est. Son travail se compose d’images fortes et d’allégories de l’ordre social. En 2011, son installation Poleteismo au Centre culturel des Philippines a semé la controverse. L’Église catholique s’y est farouchement opposée, ce qui a mené à des rituels d’exorcisme et à une audition au Sénat. Cruz a déclaré : « La plupart des transitions dialectiques dans nos histoires sont des événements traumatisants. Habituellement, il faut une expérience inhabituelle, en dehors des normes, pour atteindre un autre champ de conclusions. » Parmi ses récompenses figurent en 2003 le Prix des treize artistes du Centre culturel des Philippines et la bourse Sungduan, et en 2006 le Prix de la Galerie d’art Ateneo.

Born in 1973, Mideo M. Cruz is an active cross-disciplinary artist-organizer based in Southeast Asia. His works show strong allegorical images of the social order. In 2011, he became controversial when his installation Poleteismo in the Cultural Center of the Philippines was strongly objected to by the Catholic Church, leading to exorcism rituals and a Senate hearing. Cruz states: “Most dialectical transitions in our histories consist of a traumatic event. It usually takes an unusual experience outside of the usual norms to achieve another sphere of conclusions”. Among his merits are the 2003 Cultural Center of the Philippines Thirteen Artists Award, the 2003 Sungduan Grant and the 2006 Ateneo Art Award.

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ROY LU

13 septembre 2014 – Philippines

Originaire des Philippines, Roy Lu vit et travaille à Gatineau. Il est un des membres fondateurs de Mindworks, un événement présenté pour la première fois en 1983 et se tenant aujourd’hui annuellement à l’Université des Philippines, à Cebu. En 2007, il immigre au Canada et s’implique immédiatement dans le milieu artistique de Gatineau. En 2008, il est mis en nomination au Golden Cherry Award pour l’artiste de l’année dans la région d’Ottawa-Gatineau. Il présente son travail en 2010 lors du Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul et au Festival international d’art performatif de Rouyn-Noranda. Privilégiant principalement la performance, Lu crée parallèlement divers objets qu’il intègre par la suite à ses actions.

Originally from the Philippines, Roy Lu now lives and works in Gatineau. He is one of the founding members of Mindworks, an event that first took place in 1983 and which is now held annually at the University of the Philippines in Cebu. He immigrated to Canada in 2007 and immediately became involved in Gatineau’s art scene. In 2008, he was nominated for the Golden Cherry Award for artist of the year in the Ottawa-Gatineau region. In 2010, he presented his work during the International Symposium of Contemporary Art in Baie Saint Paul and at the Festival international d’art performatif de Rouyn Noranda. Lu mostly works with performance, but he also creates various objects that he later integrates into his actions.

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JOSE TENCE RUIZ

13 septembre 2014 – Philippines

Jose Tence Ruiz a été rédacteur en chef de Vision magazine en 1976. Il propose depuis des activités artistiques dans divers domaines tels que la scénographie, le design d’édition, l’illustration de livres, les présentations multimédiatiques, l’enseignement, l’illustration éditoriale, la peinture, l’art engagé, la sculpture, l’installation et l’art performance. Il a participé à la deuxième Triennale d’art contemporain Asie-Pacifique à Brisbane, Australie (1996), à la Biennale de La Havane, Cuba (2000), ainsi qu’à la Biennale de Gwangju, Corée (1999). Il travaille actuellement comme artiste multimédia et écrivain-consultant-commissaire indépendant pour le collectif Neo-Angono, ainsi que diverses institutions telles que le Centre culturel des Philippines, la Commission nationale pour la culture et les arts, le Musée des arts de Pasig et la Galerie d’art Ateneo.

Jose Tence Ruiz was Editor-in-Chief of Vision Magazine in 1976. He has since been involved in multimedia visual activities such as set design, publication design, book illustration, media presentations, teaching, editorial illustration, painting, art for advocacy, sculpture, installation and performance art. He participated in the 2nd Asia Pacific Triennial for Contemporary Art in Brisbane, Australia (1996), The Havana Biennial in Cuba (2000) as well as the Gwangju Biennial in Korea (1999). He currently works as a multimedia artist and an independent writer/consultant/curator for such institutions as the Cultural Center of the Phillippines, the National Commission for Culture and the Arts, The Pasig City Arts Museum, the Neo-Angono Collective and the Ateneo Art Gallery.

Semaine 2 / Week 2

EMILY P. ALLISON

18 septembre 2014 – Canada

Née en 1988, Emily Promise Allison est une sculpteure, auteure, musicienne, performeuse et éducatrice pour enfants canadienne. Elle étudie actuellement au Collège d’art et de design de l’Alberta (arts visuels, majeure en sculpture). Auparavant, elle étudiait en art environnemental à l’École d’art de Glasgow. À l’âge de cinq ans, elle a compris de manière inconsciente qu’elle était en fait une artiste de la performance et, depuis lors, elle accepte cette vocation et toutes les responsabilités qui y sont associées avec le plus grand sérieux. Aujourd’hui âgée de 26 ans, elle utilise des archives historiques et des mythes culturels comme matériaux de base pour ses performances. Elle s’intéresse à l’antiquité et à la modernité, mettant en pratique ses connaissances esthétiques pour mélanger fait et fiction dans ses œuvres qu’elle présente de manière sinistre, mais toujours avec un soupçon d’humour.

Emily Promise Allison (b.1988) is a Canadian sculptor, writer, musician, performance artist and children’s educator. She currently studies at the Alberta College of Art + Design (BFA Sculpture Major), and has previously studied at the Glasgow School of Art (BA in Environmental Art). At the age of 5, she understood unconsciously that she was in fact a performance artist, and has since accepted this vocation with the utmost responsibility. Now at the age of 26, she uses historical records and cultural mythologies as a foundation for her performative works. Along with her interests in antiquity and modernity, she applies her aesthetic abilities to combine fact with fiction and presents them with grim, yet humorous, undertones.

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THE NEW ABZURBS

18 septembre 2014 – Canada

The New Abzurbs est le nom d’un collectif regroupant des artistes de Winnipeg et de Montréal qui œuvrent dans divers médias. Fondé en 2003 par Dominique Rey, Cliff Eyland et Tannis Kohut, le groupe s’est développé pour inclure les artistes et musiciens William Eakin, Ryan Ahoff, Lancelot Coar, Amanda Ing, Vanessa Rigaux, Craig Love, Florian Lassnig et William Patrick. Les New Abzurbs ont une grande affection pour Fluxus, le dadaïsme et l’Internationale Situationniste, encourageant le jeu libre tout comme un comportement impulsif et indompté. Ils ont joué officiellement et officieusement dans divers lieux et événements à New York, Winnipeg, Toronto, Ottawa, Québec et Montréal.

The New Abzurbs is a collective that brings together artists from Winnipeg and Montreal who work with different media. Founded in 2003 by Dominique Rey, Cliff Eyland and Tannis Kohut, the group later broadened to include artists and musicians William Eaken, Ryan Ahoff, Lancelot Coar, Amanda Ing, Vanessa Rigaux, Craig Love, Florian Lassnig and William Patrick. The New Abzurbs are very fond of Fluxus, Dadaism and the Situationist International. They encourage free, impulsive and untamed actions in their performances. They performed both officially and unofficially in New York, Winnipeg, Toronto, Ottawa, Quebec City and Montreal.

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YULES WAI

18 septembre 2014 – Canada

Né à Toronto, Yules Wai est Sino-Canadien. Il poursuit ses études au baccalauréat en arts visuels, concentration arts médiatiques et technologies numériques, au Collège d’art et de design graphique d’Alberta. Il a présenté ses explorations-performances dans nombre d’expositions et de festivals, entre autres au Banff Centre, à la Galerie d’art contemporain Truck, à la Société Untitled Art (É.-U.), au Centre EPCOR, à la Galerie Fish Market, au Temple Masonic et au Old Y. Wai joue avec différentes techniques tout en poursuivant sa route dans l’aventure performative où il combat l’intolérance envers les religions, qui empêche de les comprendre. Il veut transformer et raffiner notre compréhension de la nature véritable de Dieu, là où, en notre époque et à ce jour, l’humanité semble avoir perdu toute raison de reconnaître les bienfaits de la religion dans notre monde.

Yules Wai is a Chinese Canadian who was born in Toronto and who is currently pursuing his BFA in Media Arts and Digital Technologies at the Alberta College of Art and Design. He has performed his explorations in numerous exhibitions and festivals including the Banff Centre, the Truck Contemporary Art gallery, the Untitled Art Society (UAS) at the EPCOR Centre, The Fish Market, the Masonic Temple and the Old Y. Wai absorbs different methods while pursuing his performative journey in an attempt to break our level of intolerance towards the understanding of religion. He seeks to transform and refine our understanding of God’s actual nature, whereas in this day and age, humanity seems to have lost all reason to acknowledge the benefits of religion in our world.

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KURT JOHANNESSEN

19 septembre 2014 – Norvège

Né en 1960 en Norvège, Kurt Johannessen produit des livres, des performances, des vidéos et des installations depuis le début des années quatre-vingt. Son travail est minimaliste et poétique, présentant par moments une pointe d’humour. Il édite lui-même ses livres et en a publié plus de 70. Nombre d’entre eux ont été traduits en anglais. Leur contenu varie, allant d’une simple phrase ou de petites histoires aux images exclusivement. Il a créé 240 performances différentes et son travail a largement été diffusé en Europe ainsi que dans certains pays d’Asie et d’Amérique. En 2007, il a présenté une importante exposition, comprenant une installation vidéo et des performances, au Musée des beaux-arts de Bergen. Une partie de l’exposition était une rétrospective.

Né en 1960 en Norvège, Johannessen fait des livres, de l’art performance, des vidéos et des installations depuis le début des années 80. Son travail est minimaliste et poétique, et présente par moment une pointe d’humour. Il édite lui-même ses livres et en a publié plus de 70. Nombre d’entre eux ont été traduits vers l’anglais. Le contenu de ces livres varie, il peut s’agir d’une simple phrase, de petites histoires ou d’images seulement. Il a créé 240 performances différentes et a largement présenté son travail en Europe, ainsi que dans certains pays en Asie et en Amérique. En 2007, il a présenté une exposition plus grande comprenant une installation vidéo et des performances au Musée des beaux-arts de Bergen. Une partie de l’exposition était une rétrospective.

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ELISABETH FAEROY LUND

19 septembre 2014 – Norvège

Née en 1980 à Stranda, Norvège, Elisabeth Færøy Lund vit et travaille à Bergen. Elle a étudié à l’École de photographie de l’Université de Göteborg en Suède et a été étudiante visiteuse au programme Intermedia/Cyberarts à l’Université Concordia de Montréal en 2006. Elle est membre de Performance Art Bergen où elle donne des ateliers et accueille des rencontres performatives improvisées. Lund crée différents cadres permettant une première rencontre, que ce soit avec son public dans l’espace de la galerie, des personnes qu’elle approche au hasard dans la rue ou des participants à ses performances. Elle encourage le public à participer activement. Au cours des dernières années, Lund a présenté son travail en Scandinavie et aux États-Unis.

Born in 1980 in Stranda, Norway, Elisabeth Færøy Lund lives and works in Bergen. She studied at the University of Gothenburg School of Photography in Sweden, and was a guest student in the Intermedia/Cyberarts program at Concordia University in Montreal in 2006. She is a member of Performance Art Bergen, where she holds workshops and hosts performance improvisation meetings in her studio. In her work, Lund creates different settings for an initial encounter, whether it is a first meeting between the audience and herself in the gallery space, between random people that she approaches in the street, or between the participants in her performances. She encourages the audience to actively participate. In most recent years, Lund has shown her work in Scandinavia and the United States.

PAVANA REID

19 septembre 2014 – Norvège

Pavana Reid est née en Thaïlande. Elle vit en Irlande du Nord depuis 1988 (date à laquelle le pays a atteint un sommet dans l’agitation politique). Elle a commencé à étudier les arts en suivant des cours du soir, ce qui l’a menée à l’obtention d’un diplôme en arts visuels à Belfast, Irlande du Nord. En art performance, elle utilise des images d’elle-même pour exprimer une émotion et un sentiment d’appartenance, examinant sa propre identité. Depuis qu’elle a pris part à Art Swap en 2012, un échange entre Bergen et Belfast, elle a participé à de nombreux événements d’art performance nationaux et internationaux en Norvège et au Royaume-Uni. Elle est membre de Performance Art Bergen et vit aujourd’hui entre la Norvège et l’Irlande du Nord.

Pavana Reid was born in Thailand and has been living in Northern Ireland since 1988 (when the country reached the height of its political turmoil). She began her art education with night classes that lead to a degree in fine arts in Belfast, Northern Ireland. She approaches performance art by using her images to express emotion and a sense of belonging and to examine her own identity. Since taking part in Art Swap, a Bergen-Belfast performance art exchange in 2012, she has participated in many national and international performance art events both in Norway and in the United Kingdom. She is a member of Performance Art Bergen and is now living between Norway and Northern Ireland.

SIGMUND SKARD

19 septembre 2014 – Norvège

Né en 1952 à Sveio, Hordaland (Norvège), Sigmund Skard vit, travaille et étudie à la campagne, sur la côte ouest de la Norvège, et voyage entre Oslo et Valevag. Il s’intéresse aux nouvelles attitudes et aux différents aspects de notre environnement quotidien. Son travail aborde à la fois les échecs et les réussites de la condition humaine. Skard explore et procède par mélange, utilisant diverses techniques qui prennent souvent la forme de sculptures-performances ou de documentations photo et vidéo.

Born in Sveio, Hordaland (Norway) in 1952, Sigmund Skard lives, works and studies in the countryside on Norway’s west coast and travels between Oslo and Valevag. He deals with new attitudes and different aspects concerning our everyday environment. His work discusses that which has both failed and functioned within the human condition. Skard explores using crossovers in which mixed techniques are often embodied, taking the shape of sculpture/ performances or photo and video documentation.

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MAYIM-B

20 septembre 2014 – Cuba

Né en 1974, Mayim-B (José Miguel Díaz Pérez) est diplômé de l’École professionnelle des arts plastiques de Pinar del Río en 1997 et de l’Institut supérieur des arts de La Havane en 2002. La culture traditionnelle de sa ville natale l’influence depuis son plus jeune âge. Sa mère, une artisane, et son père, un musicien amateur, ont tous deux contribué à former son esprit créatif. Jeune, il a participé à des projets culturels, éducatifs et politiques, ce qui lui a fourni une éducation élémentaire en arts visuels. Ces premières expériences lui ont par la suite permis de faire des études professionnelles dans des centres spécialisés pendant onze ans. Entre 1997 et 2002, il a été membre de la Galería DUPP et il est actuellement membre de l’Union nationale des écrivains et des artistes de Cuba.

Born in 1974, Mayim-B (Jose Miguel Diaz Pérez) graduated from the Professional School of Plastic Arts in Pinar del Rio in 1997 and from the Arts Institute in Havana in 2002. From a young age, he was influenced by the traditional culture of his hometown. His mother was an artisan and his father an amateur musician, and they greatly motivated his creative spirit. Participating in cultural, educational and political projects in his hometown provided him with an elementary education in the visual arts. These initial experiences would give him a strong base from which he would embark on professional studies in specialized centres for 11 years. Between 1997 and 2002, he was a member of the Galería DUPP Group and is currently a member of the National Union of Writers and Artists of Cuba.

ELIZABETH CERVIÑO

20 septembre 2014 – Cuba

La pratique d’Elizabet Cerviño vient d’une approche à la fois spirituelle, physique et contemplative où elle tend vers la fragilité grâce à des gestes subtils inspirés des rituels et des travaux manuels. L’action proposée devient impersonnelle et l’œuvre apparaît avec son titre : « art ». Cerviño utilise le plus de disciplines possibles, car une idée doit posséder une structure autosuffisante pour se matérialiser. Conformément à cette idée, son travail peut prendre la forme d’une performance, d’un environnement, d’une installation, d’un objet (peinture) ou d’une tentative d’exprimer un mot, qui ne demeure qu’un son. Sa tendance à la non-représentation offre une manière d’être unifiée qui englobe sa projection (comme dans « devenir un projet »). Le but de cette approche qui maintient un processus d’action-réaction est d’apprendre à connaître la nature.

Elizabet Cerviño’s practice, which is approached from a spiritual, physical and contemplative position, tends towards fragility, with subtle gestures of ritual and craftsmanship. When an action is put forth, it becomes impersonal, and the work appears with the surname Art. She uses all media, for an idea demands a self-sufficient body in order to materialise. In accordance with this idea, her work can take the shape of a performance, an environment, an installation, an object (a painting), etc., or it can be a gesture that tries to express a word but that remains a sound. There is a tendency towards the non-representational, offering a united way of being as well as its projection (as in, becoming a project). The intention of this method of maintaining a process of action-reaction is to become acquainted with nature.

ADONIS FLORES

20 septembre 2014 – Cuba

Adonis Flores est un artiste multidisciplinaire vivant à La Havane, Cuba. Il est titulaire d’un diplôme en architecture de l’Université centrale de Las Villas. Sa pratique artistique comprend différentes disciplines : vidéo, photographie, installation, sculpture, performance et intervention dans l’espace public. Son travail questionne la condition humaine en abordant des thèmes comme la fragilité, la violence, l’incertitude, la puissance, l’irrationalité et la mort. Le travail de Flores a été présenté nationalement et à l’étranger (Colombie, Brésil, Mexique, États-Unis, Canada, France, Allemagne, Italie, Espagne, etc.). Il a également fait l’objet de publications et de critiques dans de nombreux magazines partout dans le monde.

Adonis Flores is a multidisciplinary artist who lives in Havana, Cuba. He holds a degree of Architecture from the Universidad Central de Las Villas. His artistic practice includes different disciplines video, photography, installation, sculpture, performances and intervention in the public space, and his work questions the human condition through themes like fragility, violence, uncertainty, power, irrationality and death. Flores’ work has been presented both nationally and internationally (Colombia, Brazil, Mexico, United States, Canada, France, Germany, Italy, Spain, etc.) and has been published and reviewed in many magazines worldwide.

MARIANELA OROZCO

20 septembre 2014 – Cuba

Marianela Orozco vit et travaille à La Havane. Les vidéos, la documentation photographique, les interventions publiques et les performances de Marianela Orozco s’intéressent aux relations entre le peuple et le pouvoir, la peur et le soulagement, le tout et la partie. Son travail consiste en une recherche personnelle sur les états de rupture et d’équilibre présents dans la nature comme dans la société. Au sein du tourbillon de l’existence actuelle, ses observations mènent souvent à une incertitude profonde d’où émergent des moments de non-progrès qui précèdent parfois le changement. Elle s’intéresse aux moments où tout semble s’arrêter. Les êtres vivants, les objets et les processus naturels de son corps sont les outils qu’elle utilise le plus souvent dans son travail en art.

Marianela Orozco lives and works in Havana. Marianela’s videos, photographic documentations, public interventions and performances deal with the relationships between mass and power, fear and relief, the fragment and the whole. Her work is a personal inquiry into the states of rupture and equilibrium that are present in nature as in society. Within the current whirlwind of existence, this observation often leads to a deep uncertainty from which emerge the points of non-progress that may sometimes precede change. Marianela is interested in moments when everything seems to freeze. Living beings, objects, natural processes or her own body are the most recurrent tools used in her work.

Soirée Canada – 11 septembre

Soirée Pologne – 12 septembre

Soirée Philippines – 13 septembre

Soirée Canada 2 – 18 septembre

Soirée Norvège – 19 septembre

Soirée Cuba – 20 septembre

Codiffuseurs / Copresenters

VIVA! Art Action

Montréal / Montreal
15 septembre / september 15th
Norvège / Norway
vivamontreal.org

Sporobole

Sherbrooke / Sherbrooke
16 septembre / september 16th
Philippines / Philippines
sporobole.org

Langage Plus

Alma / Alma
16 septembre / september 16th
Cuba et Norvège / Cuba and Norway
langageplus.com

Os Brûlé

Chicoutimi / chicoutimi
17 septembre / september 17th
Cuba et Norvège / Cuba and Norway

L’Écart

Rouyn-Noranda / Rouyn-Noranda
17 septembre / september 17th
Cuba / Cuba
lecart.org

Atelier Silex

Trois-Rivières / Trois-rivières
18 septembre / september 18th
Philippines / Philippines
ateliersilex.info

Vaste et Vague

Carleton-sur-Mer / Carleton-sur-Mer
18 septembre / september 18th
Norvège / Norway
vasteetvague.ca

Le Lobe

Chicoutimi / Chicoutimi
18 septembre / september 18th
Philippines / Philippines
lelobe.com

Neutral Ground

Régina / Régina
20 septembre / september 20th
Pologne
neutralground.sk.ca

Articule

Montréal / Montreal
23 septembre / september 23rd
Cuba / Cuba
articule.org

Grave

Victoriaville / Victoriaville
24 septembre / september 24th
Cuba / Cuba
legrave.ca

Crédits d’organisation / Credits of organisation

Direction artistique / artistic direction : Richard Martel
Coordination / coordination : Frédérique Hamelin
Communications et médias sociaux / Communications : Patrick Dubé
Graphisme / Graphic design : Philippe Frenette Tremblay
Administration / Administration : Sylvie Côté
Publicité / Advertising : Laurent Lalonde
Régie / Stage management : Henri Louis Chalem
Rédaction / Redaction : Adeline Corrèze
Relations de presse  / Press relations : Communications Sira-ba (Marie-Ève Charlebois)
Photographie / Photography : Emmanuelle Duret
Correction / Correction : Gina Bluteau
Traduction / Translation : Traductions Pop (Jane Ehrhardt et Véronique Garneau-Allard)
Captation vidéo : Jean-François Dugas
Stagiaires : Steven Girard et Jean-Michel René
Staff : Étienne Baillargeon, Mélissa Correia, Xiang Dominguez, Geneviève Fortin, Suzanna Perraza, Carlos Ste-Marie, Geneviève Roy
Bénévoles :

Collaboration à la sélection/ Collaborators in the selection process

Cuba : Nelson Herrera Isla
Norvège / Norway: Kurt Johannessen
Pologne / Poland : Artur Tajber
Philippines : Roy Lu et Eileen Legaspi-Ramirez
Canada : Open Space (Victoria), Neutral Ground (Regina), M: ST (Calgary), La Maison des artistes visuels francophones (Winnipeg).

Remerciements

L’équipe de la RiAP remercie chaleureusement les artistes et organismes participants, les bénévoles, les codiffuseurs, partenaires et commanditaires, Yvon Bégin de l’imprimerie Lithochic, l’équipe de Recto-Verso, la Boîte à Pain, les organismes qui ont soutenu les artistes dans leur pays de résidence, ainsi que mesdames Annick Papillon, Agnès Maltais et Julie Lemieux.

La RiAP 2014 a bénéficié du soutien du Conseil des arts et lettres du Québec, du Conseil des arts du Canada, de la Ville de Québec, du Centre interuniversitaire d’études sur les lettres, les arts et les traditions (CELAT).

Partenaires / Partners

Informations / Informations

A – Salle Multi – Performances

Coopérative Méduse
591, Saint-Vallier Est, Québec
Les soirées de performances débutent à 20 h / Performances begin at 8 pm
Laissez-passer
En vente au Lieu, centre en art actuel ou à la porte les soirs de performances.
Laissez-passer : 10 $ / Billet quotidien : 5 $

B – Exposition Rétrospective

Le Lieu, centre en art actuel
345, rue du Pont, Québec
Heures d’ouverture : du lundi au vendredi de 9 h à 16 h
RIAP2014.org – 418 529-9680 # 4 – infos@inter-lelieu.org

C – Conférences / lectures

Le Lieu, centre en art actuel
345, rue du Pont, Québec
Les conférences débutent à 13 h les dimanches 14 et 21 septembre
The lectures begin at 1pm on Sundays, the 14 th and 21st of september

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RIAP 2012

RIAP 2012

La 17e édition de la Rencontre internationale d’art performance propose, encore cette fois, un événement s’affirmant comme une anthropologie de l’art action et de l’art performance. Cette année, la RIAP a de nouveau opté pour une sélection basée sur un découpage géographique, dans l’idée de vérifier s’il existe des contenus ou des pratiques propres à certaines zones culturelles. Nous accueillerons ainsi des artistes en provenance d’Amérique du Sud, d’Asie et d’Europe pour poursuivre la réflexion amorcée lors des éditions précédentes. Afin de pousser plus loin cette réflexion, des discussions seront tenues sur la situation du performatif dans les pays représentés, de la Birmanie à l’Espagne, de l’Uruguay à la Suisse, de la Colombie au Vietnam.

Les artistes ont été réunis par différents commissaires que nous avons choisis pour leur implication et leur connaissance de la situation de cette discipline dans leur pays respectif. De plus, bon nombre des artistes de la RIAP 2012, qui en sont pour la plupart à leur première participation, auront également la chance de se rendre en région afin de susciter l’échange et le dialogue entre les cultures, ce qui s’avère une nécessité pour l’art et les artistes. En proposant des pratiques performatives dont la versatilité et l’étonnement sont indéniables, la RIAP souhaite vous voir assister en grand nombre aux soirées uniques qui vous attendent.

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RIAP 2010

Riap 2010

Pour cette nouvelle édition, nous nous questionnons : existe-t-il des critères esthétiques qui correspondent à une identité culturelle ou territoriale ? Ceux-ci sont-ils présents dans la pratique performative des artistes?

Avec notre festival, la ville de Québec s’affirme comme une plaque tournante de l’avant-garde culturelle étant donné l’influence prépondérante de l’art en acte et de la performance dans le champ de l’expressivité artistique. Depuis plusieurs années, la Rencontre internationale d’art performance expérimente et développe l’éclectisme de cette « discipline indisciplinée » qu’est l’art performance. Tout en dynamisant l’activité créatrice, la RIAP ne manque certes pas de susciter le débat et de créer des réseaux dans le milieu des arts actuels vivants.

Programmation

Amérique Latine

  • Mexique | 16 septembre à 20 h
    Katnira Bello, Edith Medina, Victor Muñoz
  • Brésil | 17 septembre à 20 h
    Lucio Agra, Rogerio Borovik et Samira Br, Ana Goldenstein, Maurício Ianês
  • Mexique | 18 septembre à 20 h
    La congelada de uva, Diana Olalde, Luis Orozco, Victor Sulser
  • 19 septembre à 13 h
    Colloque sur la situation de l’art en Amérique latine

Asie et France

  • Birmanie et Corée du Sud | 23 septembre à 20 h
    Nyan Lin Htet , Gim Gwang Cheol, Sang Jin Lee, Hong O-Bong, Shim Young-Chul
  • Singapour | 24 septembre à 20 h
    Amanda Heng, Kai Lam, Jason Lim, Lee Wen
  • Chine | 25 septembre à 20 h
    Chengyao He, Jia Qianlan, Sanmu, Cang Xin
  • 26 septembre à 13 h
    Colloque sur la situation de l’art en Asie
  • France | 26 septembre à 20 h
    Gilles Cabut, Patrick Dubost, Liping Ting et Valentine Verhaeghe
345, rue du Pont | Québec (Qc) G1K 6M4 | Canada | Tel (418) 529.9680 | Fax (418) 529.6933 | infos@inter-lelieu.org
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