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La Rencontre internationale d’art performance de Québec confirme l’importance grandissante des pratiques d’art action avec sa 18e édition, qui marque également sa 30e année d’activité. Du 11 au 14 septembre et du 18 au 21 septembre, la RiAP 2014 invite 26 artistes de Cuba, de Norvège, des Philippines, de Pologne ainsi que de quatre villes canadiennes (Calgary, Regina, Victoria et Winnipeg) à performer au cœur du quartier Saint-Roch.
Au programme : deux semaines d’activités artistiques originales, étonnantes et sans compromis ! Les jeudis, vendredis et samedis auront lieu six soirées de performance, chacune ouvrant une fenêtre sur des performeurs venus d’une région précise du monde. Les dimanches, conférences et discussions ouvertes favoriseront l’échange et la réflexion collaborative. Critiques, théoriciens de l’art et organisateurs témoigneront des écarts, des décalages ou des rapprochements entre les diverses pratiques performatives. Les enjeux et défis auxquels sont confrontés les artistes des pays étrangers seront ainsi mieux cernés.
Pour cette nouvelle édition, la RiAP fera également circuler les artistes invités. Une dizaine de centres d’artistes et d’organismes culturels, de Carleton-sur-Mer à Regina, en passant par Rouyn-Noranda, ont accepté de nous accompagner dans l’aventure et recevront, dans leurs murs, les artistes de la RiAP.
Richard Martel
Directeur Artistique
John G. Boehme détient une maîtrise en arts visuels de l’Université de Victoria et un baccalauréat en beaux-arts de l’Université Emily Carr. Il est professeur à temps plein au Département des arts visuels du Collège Camosun et professeur adjoint à l’Université de Victoria. Au début, sa pratique artistique incluait la peinture, la sculpture, la performance, la vidéo, les technologies numériques, l’installation et la photographie. Aujourd’hui, Boehme décrit ses œuvres récentes de « transdisciplinaires ». Il n’est pas rare qu’elles utilisent simultanément la performance, la vidéo, le son et les objets. Il a présenté ses œuvres dans des festivals en Amérique, en Australie, en Europe et en Chine.
Robin Poitras est une danseuse, chorégraphe et performeuse indépendante qui vit et travaille à Regina. Cofondatrice de New Dance Horizons (Regina) en 1986, elle lance en 2008 sa propre compagnie axée sur les projets, qu’elle nomme Rouge-Gorge. Poitras a gagné en 2006 le Prix des femmes de mérite dans le domaine des arts et le Prix pour l’ensemble de ses réalisations dans le domaine des affaires et des arts de Regina. Ses œuvres en solo ont été présentées à l’échelle nationale et internationale. Ses préoccupations en lien avec le corps, la psyché et l’action ainsi que son exploration des mondes physiques et archétypaux ont donné naissance à son approche multidisciplinaire. Elle explique : « Je m’intéresse aux relations et aux résonnances entre les mondes de l’art, de la science et de la nature ainsi qu’à l’exploration des manières mythiques, mystérieuses, furtives et parfois évidentes que prennent ces mondes pour se nourrir mutuellement. »
Née à Winnipeg, Judith Price a étudié à l’Université de la Colombie-Britannique (baccalauréat en arts visuels, 1988). Elle vit et travaille aujourd’hui à Victoria. Le Conseil des arts de la Colombie-Britannique, le Conseil des arts du Canada et la Ville de Victoria ont financé ses œuvres, présentées à l’échelle nationale et internationale. John G. Boehme et Price sont à l’origine du collectif Open Action, un réseau épars aux mailles espacées s’inspirant du collectif Bbeyond (Belfast) qui organise des performances mensuelles à Victoria depuis 2010. Son corpus d’œuvres comprend des pièces performatives, des vidéos, des installations vidéo, des installations in situ et des courts métrages. Elle fait converger les univers parallèles des arts visuels et de la danse moderne dans le but d’explorer le langage non verbal du corps et des gestes en tant qu’outil de communication et d’intervention.
Gary Varro est un commissaire, artiste visuel et designer vivant à Regina, Saskatchewan. Il a fondé et continue d’organiser le festival des arts médiatiques Queer City Cinema et le festival de performance queer Performatorium. Varro est également commissaire indépendant. Il a mis sur pied la programmation en arts médiatiques du Collectif des artistes autochtones à Prince Albert (Saskatchewan) et celle de MIX NYC 2013, le festival de film expérimental queer de New York. Son travail évoque les relations entre les espaces sociaux et architecturaux qu’il occupe et auxquels il fait référence. Il a récemment présenté des performances à la Galerie d’art Dunlop à Regina, à LIVE, la biennale internationale d’art performance de Vancouver, à la Résidence d’artistes intergénérationelle LGBT de Toronto et au Banff Centre.
Née en Pologne en 1988, Justyna Górowska détient un diplôme de l’Académie des beaux-arts de Cracovie en intermédia. Elle vit et travaille dans la petite ville de Skawa et maîtrise de nombreuses techniques, dont la photographie, l’installation, la sculpture et la performance in situ. À propos de son travail, elle explique : « Ce qui m’importe le plus, c’est le concept. Je m’aligne sur la tendance contemporaine posthumaniste. Je m’intéresse à l’idée que l’homme n’occupe plus la place centrale dans l’univers. Qui n’a pas peur de perdre son autonomie et de se retrouver immergé dans la réalité, telle l’eau qui se fond dans l’eau ? J’aime explorer les frontières entre l’être et le non-être, j’aime parcourir l’espace indéfinissable de la participation continuelle dans la plénitude liquide. »
Aleksandra Ska a obtenu son diplôme de l’Académie des beaux-arts Strzemi ski à Lodz en mode et textile. Elle vit à Pozna et travaille à l’Académie d’art de Szczecin, au Département des nouveaux médias. Auteure d’installations, d’objets et de vidéos, son art s’intéresse au subconscient et à la sexualité. Ses créations sont souvent porteuses d’élégance, de splendeur et de sensualité, bien qu’elle y introduise des éléments qui évoquent l’anxiété et l’appréhension. Les œuvres de Ska ont été présentées nationalement lors de plusieurs événements dans des établissements tels que la Galerie d’art nationale à Varsovie (2006) et le Musée national de Pozna (2008). Récipiendaire du Grand Prix du Festival Przeciag en 2007, elle a également reçu le prix Młoda Sztuka du Głos Wielkopolski dans le domaine des arts visuels en 2011. En outre, elle a été récipiendaire d’une bourse du ministère de la Culture et du Patrimoine national en 2000, en 2007 et en 2011.
Née en 1958 à Milanówek, Pologne, Ewa Swidzinska est diplômée de l’École secondaire d’État des beaux-arts à Varsovie et de l’Institut d’éducation artistique à Czstochowa. Elle vit et travaille actuellement à Varsovie. Son travail en performance, en vidéo, en photographie et en art action comporte des dimensions autant sociales qu’artistiques. Depuis le début des années quatre-vingt-dix, elle a participé à de nombreux festivals et événements en Pologne et à l’étranger (Interactions à Piotrków Trybunalski, Festival européen d’art performance à Lublin, Festival international d’art performance à Giswil…). Elle a également pris part à diverses actions dans l’espace public et à des projets qui se concentrent sur l’art féminin. Elle a participé à l’émission de télévision L’alphabet de la performance polonaise diffusée sur le poste polonais TVP Kultura.
Né en 1973, Mideo M. Cruz est un artiste multidisciplinaire et un organisateur d’événements artistiques habitant en Asie du Sud-Est. Son travail se compose d’images fortes et d’allégories de l’ordre social. En 2011, son installation Poleteismo au Centre culturel des Philippines a semé la controverse. L’Église catholique s’y est farouchement opposée, ce qui a mené à des rituels d’exorcisme et à une audition au Sénat. Cruz a déclaré : « La plupart des transitions dialectiques dans nos histoires sont des événements traumatisants. Habituellement, il faut une expérience inhabituelle, en dehors des normes, pour atteindre un autre champ de conclusions. » Parmi ses récompenses figurent en 2003 le Prix des treize artistes du Centre culturel des Philippines et la bourse Sungduan, et en 2006 le Prix de la Galerie d’art Ateneo.
Originaire des Philippines, Roy Lu vit et travaille à Gatineau. Il est un des membres fondateurs de Mindworks, un événement présenté pour la première fois en 1983 et se tenant aujourd’hui annuellement à l’Université des Philippines, à Cebu. En 2007, il immigre au Canada et s’implique immédiatement dans le milieu artistique de Gatineau. En 2008, il est mis en nomination au Golden Cherry Award pour l’artiste de l’année dans la région d’Ottawa-Gatineau. Il présente son travail en 2010 lors du Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul et au Festival international d’art performatif de Rouyn-Noranda. Privilégiant principalement la performance, Lu crée parallèlement divers objets qu’il intègre par la suite à ses actions.
Jose Tence Ruiz a été rédacteur en chef de Vision magazine en 1976. Il propose depuis des activités artistiques dans divers domaines tels que la scénographie, le design d’édition, l’illustration de livres, les présentations multimédiatiques, l’enseignement, l’illustration éditoriale, la peinture, l’art engagé, la sculpture, l’installation et l’art performance. Il a participé à la deuxième Triennale d’art contemporain Asie-Pacifique à Brisbane, Australie (1996), à la Biennale de La Havane, Cuba (2000), ainsi qu’à la Biennale de Gwangju, Corée (1999). Il travaille actuellement comme artiste multimédia et écrivain-consultant-commissaire indépendant pour le collectif Neo-Angono, ainsi que diverses institutions telles que le Centre culturel des Philippines, la Commission nationale pour la culture et les arts, le Musée des arts de Pasig et la Galerie d’art Ateneo.
Née en 1988, Emily Promise Allison est une sculpteure, auteure, musicienne, performeuse et éducatrice pour enfants canadienne. Elle étudie actuellement au Collège d’art et de design de l’Alberta (arts visuels, majeure en sculpture). Auparavant, elle étudiait en art environnemental à l’École d’art de Glasgow. À l’âge de cinq ans, elle a compris de manière inconsciente qu’elle était en fait une artiste de la performance et, depuis lors, elle accepte cette vocation et toutes les responsabilités qui y sont associées avec le plus grand sérieux. Aujourd’hui âgée de 26 ans, elle utilise des archives historiques et des mythes culturels comme matériaux de base pour ses performances. Elle s’intéresse à l’antiquité et à la modernité, mettant en pratique ses connaissances esthétiques pour mélanger fait et fiction dans ses œuvres qu’elle présente de manière sinistre, mais toujours avec un soupçon d’humour.
The New Abzurbs est le nom d’un collectif regroupant des artistes de Winnipeg et de Montréal qui œuvrent dans divers médias. Fondé en 2003 par Dominique Rey, Cliff Eyland et Tannis Kohut, le groupe s’est développé pour inclure les artistes et musiciens William Eakin, Ryan Ahoff, Lancelot Coar, Amanda Ing, Vanessa Rigaux, Craig Love, Florian Lassnig et William Patrick. Les New Abzurbs ont une grande affection pour Fluxus, le dadaïsme et l’Internationale Situationniste, encourageant le jeu libre tout comme un comportement impulsif et indompté. Ils ont joué officiellement et officieusement dans divers lieux et événements à New York, Winnipeg, Toronto, Ottawa, Québec et Montréal.
Né à Toronto, Yules Wai est Sino-Canadien. Il poursuit ses études au baccalauréat en arts visuels, concentration arts médiatiques et technologies numériques, au Collège d’art et de design graphique d’Alberta. Il a présenté ses explorations-performances dans nombre d’expositions et de festivals, entre autres au Banff Centre, à la Galerie d’art contemporain Truck, à la Société Untitled Art (É.-U.), au Centre EPCOR, à la Galerie Fish Market, au Temple Masonic et au Old Y. Wai joue avec différentes techniques tout en poursuivant sa route dans l’aventure performative où il combat l’intolérance envers les religions, qui empêche de les comprendre. Il veut transformer et raffiner notre compréhension de la nature véritable de Dieu, là où, en notre époque et à ce jour, l’humanité semble avoir perdu toute raison de reconnaître les bienfaits de la religion dans notre monde.
Née en 1980 à Stranda, Norvège, Elisabeth Færøy Lund vit et travaille à Bergen. Elle a étudié à l’École de photographie de l’Université de Göteborg en Suède et a été étudiante visiteuse au programme Intermedia/Cyberarts à l’Université Concordia de Montréal en 2006. Elle est membre de Performance Art Bergen où elle donne des ateliers et accueille des rencontres performatives improvisées. Lund crée différents cadres permettant une première rencontre, que ce soit avec son public dans l’espace de la galerie, des personnes qu’elle approche au hasard dans la rue ou des participants à ses performances. Elle encourage le public à participer activement. Au cours des dernières années, Lund a présenté son travail en Scandinavie et aux États-Unis.
Pavana Reid est née en Thaïlande. Elle vit en Irlande du Nord depuis 1988 (date à laquelle le pays a atteint un sommet dans l’agitation politique). Elle a commencé à étudier les arts en suivant des cours du soir, ce qui l’a menée à l’obtention d’un diplôme en arts visuels à Belfast, Irlande du Nord. En art performance, elle utilise des images d’elle-même pour exprimer une émotion et un sentiment d’appartenance, examinant sa propre identité. Depuis qu’elle a pris part à Art Swap en 2012, un échange entre Bergen et Belfast, elle a participé à de nombreux événements d’art performance nationaux et internationaux en Norvège et au Royaume-Uni. Elle est membre de Performance Art Bergen et vit aujourd’hui entre la Norvège et l’Irlande du Nord.
Né en 1952 à Sveio, Hordaland (Norvège), Sigmund Skard vit, travaille et étudie à la campagne, sur la côte ouest de la Norvège, et voyage entre Oslo et Valevag. Il s’intéresse aux nouvelles attitudes et aux différents aspects de notre environnement quotidien. Son travail aborde à la fois les échecs et les réussites de la condition humaine. Skard explore et procède par mélange, utilisant diverses techniques qui prennent souvent la forme de sculptures-performances ou de documentations photo et vidéo.
Né en 1974, Mayim-B (José Miguel Díaz Pérez) est diplômé de l’École professionnelle des arts plastiques de Pinar del Río en 1997 et de l’Institut supérieur des arts de La Havane en 2002. La culture traditionnelle de sa ville natale l’influence depuis son plus jeune âge. Sa mère, une artisane, et son père, un musicien amateur, ont tous deux contribué à former son esprit créatif. Jeune, il a participé à des projets culturels, éducatifs et politiques, ce qui lui a fourni une éducation élémentaire en arts visuels. Ces premières expériences lui ont par la suite permis de faire des études professionnelles dans des centres spécialisés pendant onze ans. Entre 1997 et 2002, il a été membre de la Galería DUPP et il est actuellement membre de l’Union nationale des écrivains et des artistes de Cuba.
La pratique d’Elizabet Cerviño vient d’une approche à la fois spirituelle, physique et contemplative où elle tend vers la fragilité grâce à des gestes subtils inspirés des rituels et des travaux manuels. L’action proposée devient impersonnelle et l’œuvre apparaît avec son titre : « art ». Cerviño utilise le plus de disciplines possibles, car une idée doit posséder une structure autosuffisante pour se matérialiser. Conformément à cette idée, son travail peut prendre la forme d’une performance, d’un environnement, d’une installation, d’un objet (peinture) ou d’une tentative d’exprimer un mot, qui ne demeure qu’un son. Sa tendance à la non-représentation offre une manière d’être unifiée qui englobe sa projection (comme dans « devenir un projet »). Le but de cette approche qui maintient un processus d’action-réaction est d’apprendre à connaître la nature.
Adonis Flores est un artiste multidisciplinaire vivant à La Havane, Cuba. Il est titulaire d’un diplôme en architecture de l’Université centrale de Las Villas. Sa pratique artistique comprend différentes disciplines : vidéo, photographie, installation, sculpture, performance et intervention dans l’espace public. Son travail questionne la condition humaine en abordant des thèmes comme la fragilité, la violence, l’incertitude, la puissance, l’irrationalité et la mort. Le travail de Flores a été présenté nationalement et à l’étranger (Colombie, Brésil, Mexique, États-Unis, Canada, France, Allemagne, Italie, Espagne, etc.). Il a également fait l’objet de publications et de critiques dans de nombreux magazines partout dans le monde.
Marianela Orozco vit et travaille à La Havane. Les vidéos, la documentation photographique, les interventions publiques et les performances de Marianela Orozco s’intéressent aux relations entre le peuple et le pouvoir, la peur et le soulagement, le tout et la partie. Son travail consiste en une recherche personnelle sur les états de rupture et d’équilibre présents dans la nature comme dans la société. Au sein du tourbillon de l’existence actuelle, ses observations mènent souvent à une incertitude profonde d’où émergent des moments de non-progrès qui précèdent parfois le changement. Elle s’intéresse aux moments où tout semble s’arrêter. Les êtres vivants, les objets et les processus naturels de son corps sont les outils qu’elle utilise le plus souvent dans son travail en art.
Direction artistique: Richard Martel
Coordination: Frédérique Hamelin
Communications et médias sociaux: Patrick Dubé
Graphisme: Philippe Frenette Tremblay
Administration: Sylvie Côté
Publicité: Laurent Lalonde
Régie: Henri Louis Chalem
Rédaction: Adeline Corrèze
Relations de presse: Communications Sira-Ba (Marie-Ève Charlebois)
Photographie: Emmanuelle Duret
Correction: Gina Bluteau
Traduction: Traductions Pop (Jane Ehrhardt et Véronique Garneau-Allard)
Captation vidéo: Jean-François Dugas
Stagiaires: Steven Girard et Jean-Michel René
Staff: Étienne Baillargeon, Mélissa Correia, Xiang Dominguez, Geneviève Fortin, Suzanna Perraza, Carlos Ste-Marie, Geneviève Roy
Cuba: Nelson Herrera Isla
Norvège: Kurt Johannessen
Pologne: Artur Tajber
Philippines: Roy Lu et Eileen Legaspi-Ramirez
Canada: Open Space (Victoria), Neutral Ground (Regina). M: St (Calgary), la Maison des artistes visuels francophones (Winnipeg)
L’équipe de la RiAP remercie chaleureusement les artistes et organismes participants, les bénévoles, les codiffuseurs, partenaires et commanditaires, Yvon Bégin de l’imprimerie Lithochic, l’équipe de Recto-Verso, la Boîte à Pain, les organismes qui ont soutenu les artistes dans leur pays de résidence, ainsi que mesdames Annick Papillon, Agnès Maltais et Julie Lemieux.
